29/03/2015

L’abstrait effervescent de VéGé




Griffure, 20 x 50 cm
 
Véronique Girardin, mieux connue sous son pseudonyme VéGé, est une artiste peintre originaire de Genève qui réalise des peintures abstraites ou suggestives particulièrement dynamiques et attrayantes. Elle emploie principalement de la peinture acrylique de couleur vive, souvent primaire, qu’elle projette, étire, travaille en mouvements amples et énergiques, aussi bien sur petit format que sur grand. Les compositions foisonnantes qui émanent de ces mélanges techniques ont un effet fascinant. A une multitude d’éléments provenant de la nature, depuis le végétal jusqu'à l’échelle galactique, s'ajoute une exploration des propriétés de la peinture, de sa matière, des projections, des gouttes ainsi que des motifs abstraits comme la ligne. L’œil se perd dans ces enchevêtrements de formes, happé dans le rythme effréné de cette profusion de couleurs. Il vaque d’un élément à l’autre, sans savoir où se poser et discerne des formes sous-jacentes sans véritablement réussir à les définir. Tout n’est que mouvement dans les toiles de VéGé, qui semble jouer avec les sens du spectateur, presque étourdi par tant d’effervescence L’artiste s’inspire de ses émotions et les retranscrit en un joyeux chaos, dont se dégage une impression de fraicheur et de spontanéité. Afin d’en apprendre d’avantage sur son travail, j’ai posé quelques questions à Véronique Girardin :



Blessure, 24 x 32 cm

Pourriez-vous brièvement décrire votre parcours artistique?

Je suis une artiste autodidacte. Ma mère, qui pratique l'aquarelle, m'a donnée envie de m'essayer à la peinture. J'ai organisé ma première exposition individuelle en 2013 dans une galerie genevoise et, la même année, j’ai installé mon atelier dans une pièce de ma maison, ce qui m'a permis de me lancer plus sérieusement dans la création. Depuis cette année, je me consacre entièrement à la peinture. A mes yeux, il est très important de pouvoir partager mes œuvres, que ce soit sur des réseaux sociaux ou en exposition, car la peinture est avant tout un moyen d'expression. J'ai ainsi participé à deux salons internationaux d'art contemporain en 2014 : le salon Art3f à Layon et le salon Montreux Art Gallery à Montreux en Suisse. Je suis également en lice pour le concours Picker 2015-1016.



 Trahison, 40 x 50 cm

Pourriez-vous détailler vos techniques et médiums principaux?

J'utilise principalement de la peinture acrylique, ainsi que des aérosols, de l’encre de chine et de la peinture 3D. Je peins sur châssis entoilés, cartons entoilés et sur papier, à l’aide de pinceaux, rouleaux, couteaux, éponges, mais aussi de chaînettes ou de brosses à dent.
Afin de créer des effets de texture, j’emploi des médiums divers  tel que le stuc, le sable, de l’épaississant, du gel filant, que je mélange avant de les appliquer sur la toile. J’ajoute aussi des traits de peinture en relief et des gouttes de dripping pour attirer l'œil du spectateur sur certaines parties du tableau. C'est une manière de rendre les tableaux moins "plats", de leur donner du relief, de créer différents niveaux.



 Constellation, 20 x 50 cm




Quelle importance revêt à vos yeux la pratique artistique ?

Je me suis lancée un peu "par hasard", sur un coup de tête, pendant un week-end et le résultat m'a beaucoup plus, si bien que je n'ai plus jamais arrêté! C'est pour moi une manière de m'exprimer, de me détendre et de faire le vide. Je fais sortir mes émotions et mes impressions lorsque je peins une toile. Le processus créatif qui se produit de l’image mentale à la réalisation de la toile me paraît très stimulant. De plus, l’impression que me procure la toile achevée est très satisfaisante: j'ai l'impression à la fois de m'être vidée et ressourcée, d'avoir déposé une partie de mes pensées sur le tableau. 

 
 Éruption créatrice, 100 x 80 cm

 
A vos yeux que peut dire l’abstrait que ne peux pas dire le figuratif ?

Le style figuratif demande beaucoup de technique et de patience, je pense que c'est une démarche assez différente. Personnellement je prends plus de plaisir à peindre des tableaux abstraits car je peux m'y exprimer. Il n'y a pas de limite, c'est une découverte tout au long de la création. L'abstrait est pour moi un moyen de communiquer avec le spectateur, de le faire réfléchir. Un tableau abstrait peut faire naître des émotions totalement différentes selon la personne qui la regarde: chacun peut y voir ce qu'il désire. A mes yeux, ce sont les projections de ces différentes visions sur la toile qui font vivre l'œuvre et lui donnent son intérêt: c'est ce qui rend ce type d'art fascinant. Le plus souvent, je reçois des remarques sur l’impression de mouvement et d'énergie qui se dégage de mes tableaux. J'essaie en effet de transmettre mon enthousiasme, de provoquer la joie chez le spectateur. J'ai envie que les gens sortent de mes expositions gonflés à bloc et les yeux éblouis de couleurs et d'énergie.




Dessert moléculaire, 30 x 40 cm


J’ai remarqué que vous employez de manière récurrente certains motifs végétaux ou stellaires, mais aussi des motifs abstraits tels que les lignes foisonnantes de peinture ou les tâches de dripping, quelle importance possèdent-il à vos yeux ? Comment choisissez-vous les thèmes que vous traitez?

Je n'ai pas toujours de thèmes définis lorsque je commence un tableau, mais la nature est une de mes principales sources d'inspiration. J’ai toujours été fascinée par sa puissance incroyable, sa force qui fait vivre la terre, les hommes, les animaux. Je suis d’ailleurs en train de préparer une série plus figurative sur l'espace, l'univers, les constellations. Cette source d'inspiration me vient de mon père qui est un passionné d'astronomie, et nous sommes en train de préparer une exposition en commun de ses photos astronomiques et de mes tableaux.
Mon vécu a également un effet sur mes tableaux. Si j'ai besoin d'extérioriser des émotions, je me lance dans un grand format, où je peux spontanément évacuer mes pensées. Au contraire, si j'ai besoin de tranquillité, je vais faire quelque chose de plus précis, comme mes tableaux phénix par exemple, qui nécessitent de la concentration. J'ai récemment réalisé des tableaux en employant le dripping et des mélanges de traits de peintures: j'avais besoin de me libérer l'esprit et d'évacuer des tensions. Pour moi, ces motifs cristallisent l'énergie que j'y mets. C'est à travers ces techniques spontanées que les émotions que je veux transmettre se dégagent.




 NGC 2818, 70 x 30 cm

 
Quelle méthode suivez-vous lorsque vous créez ?

J'imagine d’abord brièvement les couleurs principales : je choisis le plus souvent deux couleurs opposées pour le fond et les couches supérieures. Ce procédé permet de créer des contrastes puissants qui offrent de l'énergie, du mouvement et de la vie au tableau. J'aime aussi ajouter des touches de noir et de blanc pour faire ressortir l'ensemble de la structure et illuminer l'oeuvre. A mes yeux, le contraste des couleurs a une grande importance, il apporte du mouvement et de la lumière, donne une structure à la composition, du volume et de l'énergie. Une fois le fond réalisé, j'ajoute les éléments selon la composition que je me suis figurée et la géométrie du tableau prend forme. Au fil du travail, j'adapte la technique jusqu'à parvenir à un résultat qui me plaise et qui représente l'émotion que j'ai envie de transmettre. Il me faut quelques jours pour achever un tableau, c’est pourquoi je démarre souvent plusieurs toiles en même temps pour pouvoir alterner les temps de création et les temps de séchage. En général, je ne retouche pas mes oeuvres. A un certain moment, il me parait évident que le tableau est terminé, et c'est à cet instant que je décide de son titre. J'y attache beaucoup d'importance: le titre complète l'œuvre et lui suggère un sens.


La vie continue, 30 x 40 cm
 

J’ai pu remarquer des disparités de style et une certaine évolution dans le travail présenté sur votre page. Pourriez-vous m’en dire plus sur votre évolution stylistique ? 

Sur ma page, vous pouvez voir tous mes tableaux depuis mes débuts. Étant autodidacte, j'ai exploré de nombreuses dynamiques avant de me lancer dans un style défini. Néanmoins, on perçoit également une certaine cohérence, notamment dans l’utilisation des couleurs vives qui me sont chères depuis le début de ma carrière. Mon travail actuel m’est venu spontanément, dès que j'ai abordé des toiles de tailles plus conséquentes. J'ai alors forgé les fondations de mon style actuel, en réalisant des compositions de grands traits jaillissants. Dernièrement, j’ai commencé à expérimenter le dripping et ai réalisé quelques grands formats par superpositions de projections de peinture. Cependant, je suis encore en train d'explorer de nouvelles techniques et je pense que mon style est amené à suivre une perpétuelle évolution. L’être est muable et je pense qu’il n’est rien de plus naturel que de voir son intériorité se transformer.


 She Hulk autoportrait, 40 x 30 cm


De quel artistes, courant ou thème vous inspirez-vous principalement ?

Récemment, je m'inspire de Jackson Pollock en employant sa technique de dripping. Cependant je n’ai pas véritablement d'autres sources d’inspiration provenant de courant spécifique. Mon style est personnel et j'ai envie qu'il soit le plus original possible. 




 A guichet fermé, 50 x 60 cm

Avez-vous été soutenue par des artistes, des associations, des collectifs ou autres dans votre démarche artistique?

Je fais partie de deux collectifs d'artistes : une petite association locale de ma commune d'origine, Onex, ainsi que le collectif d'artistes caz.ch, qui regroupe des artistes très talentueux et expérimentés, avec lesquels j'ai la chance de pouvoir exposer et qui sont de très bons conseils. 

Phénix vert, 40 x 30 cm


Avez-vous des projets passés ou futurs que vous souhaitez mentionner dans cet article ?

En plus de ma deuxième exposition individuelle qui a lieu en ce moment à Versoix (Genève) jusqu'au 13 avril et qui regroupe une cinquantaine de mes toiles, je prépare pour le mois de mai le salon international SMART à Aix-en-Provence. En juin, j'exposerai en commun avec un autre artiste sur le thème de l'univers. Mon projet ensuite sera de monter une exposition commune de photos astronomiques et de peintures de nébuleuses. J'aimerais également collaborer avec des vignerons pour leur proposer mes créations sur des étiquettes de vin.


 Tatoo, 30 x 30 cm


A la manière des peintres dits du courant « action painting », Véronique Girardin traduit son intériorité par des gestes qu’on devine derrière les trajectoires de la peinture. Ce style comporte une grande part d’accidentel car la structure du tableau résulte à la fois de l'intuition esthétique de l'artiste et des divers comportements de la peinture. De cette association eurythmique de maitrise technique et du caractère fortuit des propriétés de la peinture se dégage un esthétisme saisissant, qui révèle un univers visuel unique et particulièrement séduisant. J’invite vivement le lecteur à suivre l’évolution du travail de VéGé sur le site dédié à ses peintures où se trouvent les annonces de ses futures expositions et son actualité artistique:

22/03/2015

L’art systémique d’Anna Nansky



Anna Nansky est une artiste peintre originaire de la région parisienne qui réalise des toiles abstraites, constituées d’assemblages de formes colorées, délimités par des lignes dynamiques qui structurent les compositions. Ces ensembles d’éléments de couleurs vives forment des systèmes complexes, décomposés, mathématisés, qui peuvent aussi bien évoquer une vue du ciel qu’un ensemble cellulaire. L’artiste, explorant les possibilités esthétiques de ces combinaisons d’éléments abstraits, semble topographier et cartographier des mondes imaginaires dont on ne sait s’ils sont microscopiques ou macroscopiques. De ce jeu sur les échelles se dégage une vision globale et systémique, accentuée par la taille importante de la majeure partie de ses toiles. L’artiste privilégie la vue de haut, jusque dans sa démarche technique, puisqu’elle travaille en surplombant la toile, placée à l’horizontal.



Parcelle 18



Parcelle, collection privée



eaux profondes


Blonville, collection privée

Son travail suit une ligne directrice qui se divise en arborescence : « J’exploite parallèlement plusieurs dynamiques et je réalise souvent différentes toiles en même temps, que je mets de côté, poursuis et transforme à divers moments, cela peut durer des mois ». Cependant, au fil de ces explorations simultanées de plusieurs directions, on distingue nettement une évolution dans son travail, dont elle a pleinement conscience: « J’ai débuté ma carrière à 18 ans. Soutenue par un marchand d’art, je réalisais principalement des abstraits à l’aide d’acrylique, de bombe et au pochoir. Puis, j’ai été inspirée par la musique et les villes, en particulier Venise et New York. J’ai notamment eu un véritable déclic lors d’un voyage à New York. Je ne pensais même pas que qu’il existait des endroits pareils, j’étais une jeune fille timide et je vivais assez recluse. J’ai alors ressenti un besoin de peindre cette ville, de me l’approprier. A ce moment, j’ai commencé à agencer mes toiles en réalisant un élément hyperréaliste se détachant sur un fond abstrait, brut et très coloré. Cette démarche s’inspirait du travail de Toulouse-Lautrec, qui valorise souvent dans ses compositions un élément précis, particulièrement détaillé, en laissant le reste plus flou, à la manière d’un focus photographique. Après une période difficile, la naissance de ma fille a transformé mon travail artistique, j’ai commencé à tracer des lignes, d’abord très droites, puis courbes. En remplissant de couleurs les espaces formés entre les lignes, j’ai obtenu un effet de vitrail, que j’ai souvent accentué en employant des lignes noires évoquant la structure métallique des vitraux».




L'écossais


Rochers, collection privée


Complexe, collection privée


Marine

En effet, devant les toiles d’Anna Nansky, un parallèle se forge immédiatement avec l’art du vitrail. Les tons bleus qu’elle emploie, particulièrement vibrants, évoquent tantôt la lumière du soir tantôt le bleu caractéristique des émaux de Limoges et contrastent avec la chaleur des couleurs rouges et ocre et la douceur des tons roses et violets. Il émane une luminosité particulière de sa palette de couleurs, qui rappelle les vitraux de la cathédrale Grossmünster à Zürich, réalisés en tranche d’agate par Sigmar Polke. Les effets de matière obtenus grâce à l’eau ou à la superposition des couches de peinture acrylique révèlent des nuances qui suggèrent tour à tour la transparence du verre, les aspérités de la pierre, l’aspect organique des cellules. Son usage des couleurs vives et contrastées, séparées en compartiments et en formes abstraites évoque les travaux de Piet Mondrian ou de Maurice Estève. On note également une certaine évolution dans son travail de la couleur : « J’ai commencé par employer des couleurs très vives, en restreignant chaque toile à une seule tonalité de couleur. Puis j’ai entrepris des mélanges et des superpositions».



La balançoire, collection privée



Lagon




Les amants de la tour


Pierres précieuses, collection privée


A travers l’importante production picturale d’Anna Nansky, on perçoit une multitude de sources d’inspirations, dont l’emploi peut considérablement varier d’une toile à l’autre: « Je m’intéresse beaucoup  aux travaux de Juan Gris, Georges Braque, Tamara de Lempicka, Juan Miro, Vassilly Kandinsky, Roy Lichtenstein, Pablo Picasso ou Valerio Adami. De manière générale j’ai toujours aimé le cubisme ». D’autre part, l’artiste reconnaît son intérêt pour les sciences : «  je puise une partie de mon inspiration de  la géologie, la médecine ou l’astronomie ». Cependant, elle ne se limite pas à ces sources d’inspirations savantes et confie également s’appuyer sur son vécu : « Je me suis rendue compte récemment qu’une grande partie de mon inspiration provenait de mon enfance. Souvent il s’agit de souvenirs anecdotiques dont un détail m’a particulièrement marqué. Par exemple, j’ai le souvenir d’avoir été fascinée enfant, lorsqu’en vacances avec ma famille j’observais les cailloux immergés dans le fond des rivières, leur agencement de formes et de couleurs changeantes, transformés par le fil du courant et la transparence de l’eau. Avec le recul, j’ai compris que ces chocs esthétiques de mon enfance restent contenus dans mon inconscient et je les retranscris, parfois malgré moi, dans mon travail ». Si la sensibilité de l’artiste marque d’une forte empreinte le rendu final de son travail, Nansky souligne la nécessité d’une prise de recul dans un second temps pour saisir la teneur de la toile: « Sur mon site, j’ai choisi pour chaque œuvre certains mots-clés, qui retranscrivent les différents sentiments que je lui associe. Néanmoins ceux-ci ne me viennent qu’après la toile achevée, grâce à une prise de distance. » Son travail mêle ainsi construction intellectuelle et sensible, spontanéité et réflexion analytique, dans un processus échelonné et complexe de dégagement d’un esthétisme unique, au fort pouvoir d’attraction.



Péninsule, collection privée


Sakura vernissage



Renaissance



Rondeurs

L’artiste se dirige actuellement vers un travail de dégagement de la forme. En employant d’avantage de blanc et en variant l’épaisseur du contour des formes, elle réalise désormais des toiles plus aérées, qui s’éloignent de la vue du ciel et du vitrail pour s’apparenter d’avantage à des systèmes organiques ou cellulaires. Elle s’intéresse également à de nouvelles techniques et souhaite s’attaquer à la mosaïque et aux émaux. J’invite le lecteur à se rendre sur le site dédié à son travail, où se trouve une grande partie de ses toiles et les annonces de ses prochaines expositions :





15/03/2015

Rachel Catelain, l'art de peindre avec des mots





Tout vs Rien xxx, encre et acrylique sur papier, 29.7x42 cm

Rachel Catelain est une artiste autodidacte, originaire du Havre, qui réalise des créations originales mêlant peinture abstraite à l’acrylique et calligraphie. Son travail s'organise autour du texte et manipule des citations très diverses, aussi bien issues de la littérature classique que de propos d’artistes, historiques ou contemporains : « J'aime l'idée qu'à travers l'art, une citation de Muse, Brigitte ou Lana Del Rey puisse devenir aussi puissante qu'une citation de Sünskind, Einstein ou Van Gogh. Ce qui m'importe avant tout c'est l'émotion suscitée par le texte. Dans un second temps, certains mots peuvent me sembler plus forts que d'autres et je vais alors essayer de les mettre en valeur visuellement, en les exploitants plus que d'autres ». L’artiste s’approprie ainsi les caractéristiques graphiques de mots célèbres. Jouant de leur forme et de leur sens, elle dégage l'esthétisme de chaque terme, décompose les textes en superposant les phrases, en insérant d'autres mots et en employant des graphies sophistiquées, des couleurs vives et des effets de matière qui distraient du sens premier des mots pour provoquer des impressions.


Amour vs Vie xxx, encre et acrylique sur papier, 29.7x42 cm



Sunburn xxx, encre et acrylique sur papier 29.7x42 cm

 En complexifiant la lecture des citations, Rachel Catelain parvient à renouveler leur perception en évoquant par le visuel le sens qu’elle associe au texte : « Ayant fait des études de lettres modernes, j'ai toujours été sensible aux mots, à leur sens et à leur esthétisme.  L'intérêt d'intégrer la calligraphie dans une production plastique, c'est de dépasser le sens premier du texte pour exprimer les sensations que j’ai ressenties à sa lecture ou à son écoute ». Par ce procédé, elle parvient à cristalliser en formes et en couleurs l’aspect sensible du texte et à traduire son intériorité. En effet, le ressenti de l’artiste se transcrit de manière concrète dans l’aspect final de l’œuvre : « Selon l'intensité de l'émotion l'écriture sera rapide ou lente, ce qui influera sur le tracé des lettres. Certaines créations seront empreintes de douceur et de calme et d'autres seront beaucoup plus vives et empressées. La déstructuration du texte est une conséquence de l'émotion, mais elle permet de créer un tout autre graphisme, une sorte de monde onirique dans lequel j'espère emmener les gens pour leur procurer une nouvelle émotion qui sera peut-être complètement différentes du sens du texte de départ, c’est précisément ce qui m'intéresse».


Lumière verte xxx, encre et acrylique sur papier, 42x29.7 cm



Crépuscules blancs xxx, encre et acrylique sur papier, 29.7x42 cm 


Cette démarche comprend une part d’accidentel, que l’artiste revendique comme une partie importante de son processus de création : « Je ne cherche pas forcément à ce que le texte soit "lisible". J'essaie de l’imaginer en termes de couleurs  et de transcrire ce qu’il me fait ressentir à travers l’encre et la peinture. J'ai une démarche très intuitive, je fais très peu de croquis préparatoires. Je choisis mes sujets en fonction de mon ressenti. J'essaie tout simplement de faire partager ce qui me touche. Bien sûr, certains tableaux sont des commande à partir de textes, ce qui implique de transcrire la sensibilité de quelqu’un d’autre, c’est pourquoi j'ai besoin au préalable de discuter et d'échanger avec les personnes intéressées, de comprendre l'histoire de ce texte à leurs yeux et les émotions qui s'en dégagent». De plus, son médium comporte lui aussi une part d’accidentel, quand elle emploie des effets de coulures ou d’eau qui laissent une grand importance au hasard : « Ce qui m'intéresse c'est le caractère imprévisible de l'encre, parfois elle créé des contraintes dans le dessin qu'il faut surmonter et parfois de minuscules mondes magiques. Ma conception de l’œuvre évolue tout au long de la création en fonction des réactions de l'encre. Ce medium offre des effets de couleurs profonds et lumineux et des aspects métalliques ou irisés, que je complète généralement avec de la peinture acrylique, qui permet d’obtenir des effets opaques et mat. J'utilise ensuite des plumes métalliques et des pinceaux plats pour graphier les mots».



Miette X Sylvère : rouge baiser xxx, encre et acrylique sur papier, 29.7x42 cm



Printemps xxx , encre et acrylique sur toile, 40x20 cm 


Cette exploitation de l’accidentel, conjugué à une technicité maîtrisée de la calligraphie permet à l’artiste de créer un univers visuel unique, qui fait une synthèse entre la peinture abstraite, la calligraphie classique, le graffiti et l’art du calligramme poétique. Les lettres sont tour à tour absorbées dans la forme abstraite ou semi abstraite, ou constituent elles-mêmes des lignes aux tracés vifs qui dessinent la forme de l'oeuvre. Les mots sont employés comme motifs, proviennent de toutes les langues, dépossédés de leur usage ordinaire. La pluralité des imaginaires qu’éveillent ses œuvres rend bien difficile sa catégorisation, comme le revendique l'artiste: «  Je n'ai pas de courant artistique de prédilection. J’ai commencé par travailler avec la calligraphie classique mais je suis également influencée par les courants de street art. Le traitement graphique des mots par les graffeurs m’a toujours paru extrêmement fort et percutant. Je m'inspire aussi des illustrateurs qui se sont développés ces dernières années et qui imposent leurs univers visuels hors des sentiers battus, mêlant dessins, graphismes et typographie. J'aime surtout que l'art soit accessible, car l'émotion n'a pour moi rien à voir avec la culture. »


Winter is coming xxx, encre et acrylique sur papier, 28.5x21 cm



Pëur vs Passé : vieillir xxx, encre et acrylique sur papier, 21x28.5 cm 


Qu’il s’agisse de son traitement de l’écriture, de la langue ou des paradigmes associés aux mots, on discerne dans le travail de Rachel Catelain un questionnement sur le sens des choses et leur détournement par l’interprétation, ce qui se perçoit notamment dans les titres qu’elle choisit : « Comme on peut le remarquer dans mes titres, mon travail est axé sur la dualité du monde et sur le conflit des points de vues. Cette perspective est soulignée par l’emploi récurrent du motif du demi-cercle, qui traduit ce conflit et le pouvoir de l'interprétation, il est à la fois cercle et ligne. Le cercle est perçu comme la perfection, l'infini, la plénitude, mais le demi-cercle c'est le verre à moitié vide ou à moitié plein. Le motif de la croix est également très important, car s’il peut être perçu comme une négation, la croix correspond pour moi à des points de suspension. Ce sont les croix qui invitent à l'interprétation. »




Bloody heart xxx, encre et acrylique sur papier, 29.7x42 cm



Matière grise vs Matière rose xxx / encre - acrylique / papier 29.7*42 cm 


Aussi bien devant l’ensemble du travail de Rachel Catelain que devant chacune de ses œuvres, l’œil est frappé par l'imbrication du texte, des formes, des couleurs et du sens. J’invite vivement le lecteur à se rendre sur la page facebook dédiée à son travail, où sa production est visible dans son ensemble. L’artiste sera prochainement en démonstration de calligraphie dans les magasins Printemps du Havre et de Deauville les 21 et 22 mars 2015 et couvre également des événements privés où elle propose ses services de calligraphie événementielle.