Gopal Kalapremi Shrestha, quand la sculpture rencontre la céramique

 Série des taureaux, céramique

Sculpteur, céramiste et plasticien, Gopal Kalapremi Shrestha est un artiste népalais qui occupe une place importante dans le milieu artistique de son pays. Il créée, expose, anime des ateliers et participe à des résidences au Népal comme à l'étranger depuis les années 1980. Sa production constitue un univers unique, inspiré par des formes au caractère tribal qu'il revisite avec des lignes très épurées, d’une grande sophistication. Gopal Shrestha emploie librement tout ce qui l'entoure: la terre, les plantes, les minéraux, la cire, le métal, le sable, la sciure de bois, les feuilles d'or et encore bien d’autres médiums pour nous livrer sa propre vision du monde à travers un prisme syncrétique. Si l’on y distingue clairement l’influence de l’art tribal népalais, en particulier de l'ethnie Tharu qui vit au sud du pays, les thèmes qu’il aborde sont directement liés à la période la plus contemporaine de son pays et aux difficultés que ce dernier traverse. Ses créations sont divisées en plusieurs séries aux styles esthétiques contrastés, telles que celle consacrée à la période révolutionnaire qui secoua le Népal de 1996 à 2006 ou encore sa série plus récente de pièces d'échec d'inspiration tribale Tharu. Son travail découle de son observation des transformations socio-culturelles que connait le Népal mais reflète aussi le syncrétisme culturel caractéristique de la société népalaise. De la guerre du peuple aux relations hommes-femmes en passant par l’exil des jeunes népalais en quête d’une vie meilleure à l’étranger, de nombreux aspects de la société népalaise contemporaine sont explorés par Gopal Kalapremi Shrestha, qui possède une perception aiguë de sa société et une sensibilité exceptionnelle pour saisir ce qui l’entoure. 

Série des pièces d'échec, céramique

Issu d’une famille modeste, mais d'une caste où la travail de la terre n'est pas une occupation acceptable, rien ne viendra barrer sa volonté de devenir artiste céramiste et sculpteur. Il occupera différents postes pour financer ses études dans une école d’art : « J’ai eu de très nombreux jobs quand j’étais jeune, j’ai fait la vaisselle dans des restaurants, la lessive pour des hôtels, j’ai cuisiné, bricolé et enfin j’ai enseigné dès que j’ai pu. Toutes ces expériences m’ont permis de financer mes études au Fine Art Lalit Kala Campus  de Katmandou et de débuter ma carrière en tant que sculpteur dans les années 1980. » Il a ensuite commencé à lire des ouvrages sur l'art, en particulier la céramique.  Puis, ses voyages à l’étranger lui ont permis d'observer des céramiques issues de différentes traditions et d'interagir avec des céramistes. "J'ai toujours demandé à mes amis céramistes de l'extérieur du Népal de m'apporter quelque chose d'utile quand ils viennent ici. Ils m'ont donné des livres, des gants et d'autres équipements qui sont précieux parce que ce sont des choses qu'on ne peut pas acheter au Népal. Il est également difficile de se procurer des matériaux de qualité et les produire moi-même est devenu une nécessité, car il était impossible d’importer les produits chimiques nécessaires pour mon travail de céramiste. J'ai rapidement commencé à faire des recherches sur les produits chimiques et ce qui pouvait être extrait des minéraux, des différentes terres mais aussi de la flore du Népal et j’ai ainsi créé mes propres recettes pour obtenir des couleurs et des effets de texture uniques ».

 Exposition de galets en céramique, Musée Taragaon, Katmandou, Népal

Transferts culturels et multiplication des échanges n’ont cessé d’entraîner l’art de Gopal Kalapremi Shrestha dans une série de mutations qui contribuent à l’impression de diversité qu’on éprouve devant son travail. En effet, l’artiste voyage souvent, aussi bien au sein de son pays qu’à l’étranger, et se nourrit des esthétiques et des nouvelles techniques auxquelles il est confronté : « Durant ma jeunesse je voyageais au Népal, ensuite j’ai pu partir à l’étranger et notamment en Europe, où j’ai par exemple appris de nouvelles techniques auprès d’artistes céramistes dans le sud de la France, mais maintenant depuis l’essor d’ internet, j’ai accès à de nombreuses informations de chez moi ». Sa maison, située  à Katmandou, abrite son atelier et une partie de son travail. Véritable musée, elle accueille aussi une collection d'art contemporain, mais surtout, elle accueille des artistes qui viennent ici se former aux techniques de la céramique, telles que Gopal les a transformées et adaptées, forgeant ainsi un savoir technique hybride et unique, qu’il enseigne pour stimuler l’intérêt pour une céramique népalaise, différente des céramiques traditionnelles asiatiques : « En Inde et en Chine, ainsi qu’au Japon, l’art de la céramique est très développé alors qu’au Népal il existe très peu de céramique. Les artisans et les artistes s’en tiennent souvent à la poterie car les techniques de la céramique et de sa cuisson sont plus complexes et demandent du matériel difficile à trouver au Népal. Pourtant la terre est une matière très vivante et qui se trouve partout. De plus, grâce à de la technique et à un peu de sensibilité il est possible d’offrir de la noblesse à cette matière pourtant si humble et aisée à trouver. Je me suis tourné vers cette matière naturellement, parce qu’instinctivement, j’étais attiré par elle ». Gopal se rend aussi régulièrement dans une communauté de potiers Tharu, tribu qui pratique l'art de la poterie mais ne connaît pas la céramique, pour les initier à cet art.

 Série Masculinisme, céramique

En combinant des compétences techniques et des connaissances pointues sur les matériaux à une grande inventivité, Gopal Kalapremi Shrestha est un explorateur de formes et de matières: «  Il me paraît crucial de mêler ses connaissances techniques et gestuelles à des connaissances sur les matériaux eux-mêmes. A mes yeux, les matériaux ont leur propre langage, à la fois organique et social. De nos jours, la majorité des artistes achètent des matériaux manufacturés et ne réalisent pas toujours de quoi ils sont composés; pourtant, lorsqu’on s’intéresse à la nature organique du matériau et à l’imaginaire associé à la matière, on parvient à une meilleure maîtrise de son œuvre. Chaque technique possède également un langage. Par exemple la technique du raku (technique de cuisson héritée du japon) permet d’obtenir des craquelures dont l’écriture est particulière et reconnaissable, mais qui varie selon chaque pièce ».

En plus de son travail de création, Gopal Kalapremi Shrestha enseigne au Centre d'art et de design de l'Université de Katmandou et a également enseigné à l'Université de Jeonju, en Corée du Sud. Il a animé des ateliers de céramique en Corée, au Pakistan, en France, au Danemark, en Inde, au Bangladesh et au Sri Lanka. Il a également publié plusieurs ouvrages sur les techniques de la céramique et de la sculpture ainsi que des poèmes. Artiste interdisciplinaire, il réalise un travail de métissage culturel qui met en lumière les contrastes de la société à la fois moderne et traditionnelle dans laquelle il évolue. Pour en découvrir d’avantage sur son travail je vous invite à suivre le lien suivant vers sa page facebook : https://www.facebook.com/gopalkalapremi.shrestha?ref=br_rs

Pierre Philippe, peintre de la transformation

Nemrod, huile sur toile, 150x120 cm, série vision

Pierre Philippe est un artiste peintre qui réalise des toiles immenses mêlant art figuratif et suggestif ainsi que des travaux sur papier plus abstraits. Son travail aborde des sujets variés, répartis en quatre séries principales : Régénérescence, Vision, Polybride et Sèves. Les trois premières séries sont composées en grande majorité de visages en noir et blanc, ou très peu colorés, réalisés à l’huile sur toile et traités de manières très diverses ;  la série Sèves, plus abstraite, utilise quant à elle des pigments purs sur papier: « Mes trois premières séries sont composées de peintures très intellectuelles et rationalisées, qui explorent principalement les expressions du visage et les imaginaires qui leurs sont associés. La dernière série a été à mes yeux une manière de me lâcher et de réaliser des peintures plus spontanées. Elle doit être comprise à part ». 

Dans sa réalisation des séries Régénérescence, Vision et Polybride, l’artiste a fait preuve d’une cohérence sémiotique indéniable et d’une grande habileté technique. Les effets de fondus, de flou, de projection, de transparence, d’opacité sont parfaitement maîtrisés par Pierre Philippe, qui use de son adresse jusque dans la fabrication du châssis de ses toiles : « Je travaille généralement sur grand format et je fabrique tout moi-même. Du châssis en bois à la pose de la toile, commandée par rouleau de 10m sur 2m10 de large. J’emploie exclusivement du lin pour sa résistance. Lorsque je réalise mes peintures, j’'aime beaucoup le contraste entre la finesse de la peinture, ses fondus, son aspect lissé et d'un autre côté la brutalité de la giclure. L'idée est de les unir dans une même composition ». Le résultat final de chaque œuvre est le fruit d’un procédé complexe faisant appel à diverse disciplines. L’artiste emploie des photos de personnes qui lui sont proches, qu’il transforme à l’aide de différents médiums pour obtenir l’effet voulu avant de les reproduire : « Avant de me lancer dans la peinture, je pars d’une image mentale que j’essaye d’approcher en employant tous les mediums qui puissent me permettre de la représenter. Aussi bien la photo, les logiciels type Photoshop ou le croquis à la main. Je redessine les lignes, je modifie les proportions jusqu'à ce que je trouve ce qui me plait. Ces croquis et photos modifiés sont pour moi des outils de travail que je garde, afin de prendre du recul sur l’évolution de mon travail, mais que je considère d’avantage comme un pont vers autre chose de mieux. Ensuite, je quadrille l'image pour que l'échelle soit respectée lorsque je reporte le dessin sur la toile, mais je ne projette jamais l’image sur la toile pour la décalquer ». Au travers de sa production d’immenses toiles, Pierre Philippe semble chercher à figer l’éphémère. Bien que varié, son travail pictural semble suivre les mêmes questionnements sur le changement et la transformation : « Le changement que je peins n'est pas le mien, mais celui qui habite chaque être conscient de son parcours intérieur. Dans le bouddhisme, il est dit que tout n'est que changement. C'est la loi de l'impermanence, une loi universelle qui transcende tout. Étant très attaché à cette notion, j'ai besoin de la transmettre dans la peinture, au travers des visages qui incarnent des transformations. Je ne me peins pas, je peins les choses qui m'habitent. Il y a inéluctablement une part de moi, mais ça n'est pas le but recherché ».

  Eveil, huile sur toile, série polybride

Pépite, huile sur toile, 120x150 cm, série polybride 

Les premières séries de Pierre Philippe visent à traduire en une image fixe des états psychiques fugaces en exacerbant toutes les caractéristiques physiques qui les traduisent. L’artiste met en place un langage imagé particulièrement percutant : « En décomposant les étapes émotionnelles d'une perception, je cherche à rendre visuellement la puissance qu'elles véhiculent en moi».

La série Vision est composée d’une douzaine de toiles, dont la plupart représentent des visages gigantesques (entre 1 et 2 mètres), traités comme s'il s'agissait de photos en train de se développer dans du liquide révélateur. En employant des effets de fondus et de projections liquides, Pierre Philippe donne aux personnages  un aspect désagrégé et imprécis, rend leur physionomie plus difficile à lire, leur confère un côté muable, comme s’ils étaient en pleine métamorphose. Cet aspect insaisissable est encore accentué par les effets de peinture récurrents qui barrent les yeux des personnages et posent une distance supplémentaire entre eux et le spectateur: « j’ai voulu représenter la dualité de la vision qui à la fois est projetée sur l’autre et est influencée par les autres simultanément. Ce procédé me permet de retranscrire par le visuel ce que j’appelle le filtre de la vision ». Dans la série Polybride, l’artiste poursuit  ses questionnements sur la transformation. Néanmoins, les visages sont plus détaillés, les yeux des personnages apparaissent et les expressions sont tour à tour décomposées, morcelées, réassemblées ou encore soulignées grâce à des effets suggestifs de projection ou de flou. Il fige la progression de la gestuelle qui traduit l’expression en découpant le mouvement en deux ou trois étapes qu’il imbrique en une image unique, presque à la manière de totems. De fait, on ressent une certaine sacralité devant ces toiles qui évoquent une perte de contrôle du corps.

 Travel, huile sur toile, 100x200 cm, série vision

Bédouin, huile sur toile, 100x192 cm, série vision

La série Régénérescence, quant à elle, explore le processus de changement à travers trois immenses toiles (entre 4 et 6 mètres) qui se complètent en une sorte d’éveil spirituel synthétisé. La première toile est titrée Trauma : divisée en quatre compartiments par une croix centrale, elle présente un fœtus qui se détache sur un fond noir, qui encercle l’enfant dans une sorte de bulle : « le fœtus contient tout, il peut devenir la meilleur comme la pire des personnes, ici il s’agit presque d’une évocation christique qui rappelle l’enfant destiné la croix mais aussi l’élu, ce qui est renforcé par l’impression qu’il est comme visé à travers une lunette ». La seconde toile, Résurrection, a été réalisée en forme de croix, ce qui accentue son caractère sacré. Elle présente un être inquiétant dont le regard projette de la lumière, rappelant les personnages de la série vision. Son corps semble s’ouvrir comme une graine fécondée et son esprit le quitter dans une extase douloureuse, presque explosive, qui fait penser au retable d’Issenheim. Cette résurrection, contrairement à la résurrection christique qui se fait dans toute son intégrité physique, semble ne concerner que l’âme qui s’extrait violement de son enveloppe charnelle pour s’en échapper. Enfin, la dernière toile, Solaris, est construite comme  le bogue d’un marron béant contenant un visage rayonnant. L’œuvre est divisée en plusieurs toiles qui se combinent tel un puzzle. Au milieu, le visage occupe une toile ronde, enserrée en haut par deux toiles qui figurent les rayonnements du soleil, et en bas, par deux autres qui représentent des racines.

 Trauma, huile sur toile, 400x400 cm, série régénérescence

Résurrection, huile sur toile, 600x600 cm, série régénérescence

 Solaris, huile sur toile, 550x550 cm, série régénérescence

La dernière série, moins construite, présente des assemblages de traits sinueux, où l’œil imagine un enchevêtrement de fils bleus vifs. L’esprit peut y voir le fil de vie contrôlé par les Parques dans la mythologie grecque ou la traduction visuelle d’un cheminement intérieur. Mais pour l’artiste, « Les enchevêtrements bleus sont une manière de symboliser le vivant, l'énergie propre à l’organique. C'est en peignant la toile Résurrection que j'ai adoré peindre ces sortes de " filaments énergétiques ". Ils sont comme des canaux qui guident la lumière spirituelle. C'est une matérialisation de l'énergie que l'on ne voit pas ».

Traversée, pigment pur de bleu majorelle sur papier, 50x60 cm, série sèves

Dualité, pigment pur de bleu majorelle sur papier, 50x60 cm, série sèves

Le travail de l’artiste se dirige à présent vers un retour au figuratif : « Mes futurs travaux continueront à explorer le thème de la métamorphose, mais de manière moins analytique et en employant davantage de couleur. Je souhaite cependant encore approfondir mon travail sur le flou, le visage et son expressivité. J’ai également prévu d’utiliser du lin brut pas du tout apprêté de manière à affirmer les contrastes entre la fluidité de la peinture et la raideur de cette matière ».

 Transit, huile sur toile, 100x120 cm, série vision

 Oil order, huile sur toile, 120x150 cm, série polybride 

 

 J’invite vivement le lecteur à s’intéresser à l’évolution du travail de Pierre Philippe en se rendant sur son site web, où il trouvera l’intégralité de ses toiles et pourra suivre son actualité artistique :

http://www.pierrephilippe.fr/