Les illustrations engagées de Robin Guinin

Face aux illustrations de Robin Guinin, il est difficile de ne pas se sentir traversé par une envie de changement sociétal global. Son univers visuel, empreint de fraicheur et de poésie, est économe, épuré et privilégie la ligne et le mouvement. Il donne corps à un idéal d'utopie écologique et d'équité sociale, mis en valeur par contraste avec des symboles de la société de surconsommation, de manière spirituelle, comme une série de messages malicieux. Si les illustrations de Robin Guinin traitent de thèmes graves tels que la pauvreté, la cupidité, la politique, ou les enjeux écologiques, la manière légère dont il les met en scène, son usage de couleurs chantantes et ses petits personnages incisifs, aux traits gracieux et attachants, les adoucit immédiatement. Cette façon de présenter des problèmes sociétaux complexes leur confère une forme de simplicité, les rend abordables et moins menaçants. De nombreux artistes illustrateurs s’intéressent à ces questions, mais contrairement à la myriade d’images chocs qui ont pour but d’inspirer l'effroi, le dégout, ou le rejet afin d’alerter l’opinion publique, il émane un charme particulier des illustrations de Robin Guinin. Ses messages positifs proposent des pistes constructives pour se reprendre, et présentent un modèle à suivre pour que chaque individu puisse prendre conscience de son pouvoir individuel : celui de transformer la manière dont il participe au système dans le but de transformer le système lui-même. Ainsi, au travers de ses dessins, l’artiste invite à une réflexion générale sur les systèmes sociétaux où la consommation de biens surpasse les liens affectifs et spirituels dans la hiérarchie des attentes individuelles et engage chacun à s’en détacher fermement mais dans la douceur. 

Dans le but d’en apprendre davantage sur sa démarche, j'ai pu poser quelques questions à Robin Guinin :

La permaculture, deuxième bannière pour la page de Mr Mondialisation. 2013 - crayons aquarellables, encre, ordinateur

Qu’est-ce qui vous a mené vers l’illustration ?

J’ai eu la chance de baigner dans un terreau familial propice à développer mon intérêt pour le dessin d’illustration. Ma famille m’a très tôt initié à la bande dessinée et à l’album d’illustration. J’ai donc eu accès à de très nombreux livres durant mon enfance et mon adolescence, dont certains m’ont beaucoup marqué et m’ont clairement poussé vers cette voie.

D’autre part, l’illustration est à mes yeux un des moyens les plus efficaces de faire passer un message. Mon désir premier est de sensibiliser aux problèmes liés aussi bien à l’écologie qu’à l’inégalité sociale. Or, les liens entre ces deux paradigmes peuvent être révélés par l’illustration, grâce à son format spontané, direct et sa capacité à faire aussi bien appel au texte qu’à la mise en scène visuelle.

L'effet papillon - réalisé pour un évènement artistique sur la page de Mr Mondialisation. 2014 - crayons aquarellables, aquarelle, encre, ordinateur

Utopie réaliste - thème proposé pour un évènement artistique de Mr Mondialisation. 2013 - crayons aquarellables, encre, ordinateur

Comment choisissez-vous les sujets de vos illustrations ?

Mes sujets varient selon l’inspiration du moment mais je réalise aussi de nombreuses commandes dont je ne choisis pas les thèmes ; néanmoins, je me vois généralement accorder beaucoup de liberté. Le plus souvent, je choisis de traiter les thèmes sur lesquels je travaille de manière symbolique ; cela me permet de faire passer des idées complexes à travers des codes visuels simples, communément partagés et admis dans notre culture. 

Par exemple, je suis particulièrement sensible au sujet de la sauvegarde de la forêt amazonienne et j’ai une certaine fascination pour les populations indigènes qui la peuplent, vivant en harmonie parfaite avec leur environnement et qui se sont pour certaines engagées dans une lutte contre l’exploitation de la forêt par les industries. Ce combat, qui est celui de David contre Goliath, me touche particulièrement. C’est pourquoi j’ai réalisé une illustration, d’après une suggestion du président de l’association Planète Amazone, Gert-Peter Bruch, représentant le chef de la tribu Kayapo, le Cacique Raoni, figure de proue du mouvement contre la déforestation au Brésil depuis les années 70. Celui-ci s’oppose à une vague grise constituée de symboles de la déforestation qui s’apprête à déferler sur la forêt verdoyante, dans un geste biblique évoquant le personnage de Moïse lors de l’épisode de la mer rouge. Lors d’un événement organisé par l’association Planète Amazone j’ai eu la chance de pouvoir l’offrir au Cacique Raoni lui-même, venu à Paris pour défendre sa cause.

Ou encore, lorsque j’ai réalisé des illustrations pour la page de Mr. Mondialisation, j’ai utilisé le masque de la bauta vénitienne qui est son emblème afin d’en tirer un personnage énigmatique récurrent qui invite le spectateur à constater différents déséquilibres sociétaux au travers de mises en scènes symboliques. Un beau partenariat s'est mis en place entre nous depuis 2012.

Raoni protecteur de l'Amazonie - création réalisée pour l'association Planète Amazone, 2014 - crayons aquarellables, encre, ordinateur

Dieullar et société pyramidale - première bannière réalisée pour la page de Mr Mondialisation. 2012 - crayons aquarellables, ordinateur

L'avenir serein - troisième bannière réalisée pour Mr Mondialisation. 2014 - crayons aquarellables, encre, ordinateur

Quelles sont les principales techniques que vous employez ?

Je réalise presque toujours mes travaux en faisant appel à plusieurs techniques, souvent il s’agit de crayons de couleurs, de crayons aquarellables et d’aquarelle. Je peaufine les couleurs par ordinateur mais m’efforce de travailler le plus possible sur papier avant de faire appel au numérique afin de conserver des effets de texture, notamment de crayon. 

Auparavant, je traçais tous les contours de manière classique au feutre ou à l’encre de chine, maintenant je n’utilise plus ces techniques que pour souligner certains traits afin d’ajouter de la vie et d’alléger les compositions. De manière générale j’essaye de ne pas surcharger mes illustrations afin qu’elles restent lisibles. De plus, je suis particulièrement attiré par les compositions permettant de voir les personnages en pied et non pas cadrés en gros plan sur le visage ou sur des détails anatomiques. Je m’intéresse particulièrement aux expressions corporelles et, le plus souvent, j’essaye de représenter des personnages de petite taille et en entier, un peu à la manière de Sempé. Ce qui va à contre-sens des tendances actuelles de la bande dessinée, où les cadrages s’inspirent souvent du cinéma.

L'illustration du million - réalisée pour fêter le franchissement de la barre du millionième abonné à la page de Mr Mondialisation.                                       2016 - crayons aquarellables, encre, ordinateur.

Retrouvailles - illustration pour la nouvelle autobiographique du même nom de Paul Mésange. 2016 - crayons aquarellables

ÊtrENature - dessin réalisé pour l'évènement artistique Couplactage sur la page de Mr Mondialisation. 2014 - aquarelle, crayons aquarellables

Quelles sont vos principales sources d’inspiration ?

Enfant, j’ai été baigné dans les grands classiques de la bande-dessinée franco-belge et par les livres illustrés. Je n’ai plus tous les auteurs en tête mais je pourrais citer Franquin, Hergé, Morris, Uderzo ou encore Peyo. Durant mon adolescence, je me suis davantage tourné vers la bande-dessinée réaliste. J’aimais particulièrement Grzegorz Rosinski, pour son coup de crayon dynamique, ou encore Jean-Pierre Gibrat, pour ses couleurs directes à l’aquarelle et la fluidité de ses compositions. J’étais également fasciné par les dessins d’Isabelle Dethan, de Pascal Munuera ou encore d’Alberto Varanda. Je me suis ensuite intéressé à des dessinateurs tels que Sempé, Quino ou encore André Geerts pour leur économie de moyen, la douceur et la fraicheur de leurs traits et, bien sûr, leur sensibilité et leur humour. J’ai également découvert plusieurs artistes sur les réseaux sociaux comme le dessinateur polonais Pawel Kuczynski, dont l’emploi du symbole et de l’image subversive m’ont marqué. J’ai aussi été inspiré par les dessins d’utopies citadines du dessinateur belge Luc Schuiten ou encore par les illustrations de l’artiste roumaine Ileana Surducan et de l’illustratrice italienne Natalia Pierandrei, dont la créativité me subjugue. 

Il m’arrive aussi de m’inspirer des personnes qui m’entourent pour réaliser mes personnages. J’ai toujours un carnet à croquis sur moi et j’esquisse souvent des portraits, des animaux, des paysages ; le tout orné de notes mystérieuses dans une écriture de ma création, qui dissimule subtilement un français phonétique. Ces carnets, que je compose à la manière d’albums illustrés, me permettent d’étudier les formes de la nature en croquant sur le vif et en soulignant seulement certains traits caractéristiques afin de leur donner de la vie.

Je m’inspire également de certains de mes proches, par exemple, j’ai réalisé une bande dessinée traitant de la maladie d’Alzheimer, « En direct d’Alzheimer » en collaboration avec Georges Grard, éditeur et scénariste du projet. L'un des personnages, dont l’âge n’a rien enlevé à son caractère fantasque et original, était librement inspiré de mon grand-père. Il s’agit d’ailleurs du personnage que je dessine le plus en dédicace.

Croquis, 2016- crayons, encre

Croquis, 2013- encre, crayons aquarellables

Croquis, 2013- encre, crayons aquarellables

Vous semblez utiliser d’avantage d’humour et de poésie que d’images alarmantes. Pensez-vous qu’il s’agisse des meilleurs moyens pour alerter la conscience collective ?

A mes yeux la critique passe par plusieurs niveaux : elle commence par une prise de conscience de la structure inéquitable du système et de son rejet. Ce dégoût laisse ensuite place à un sentiment plus constructif de rôle à jouer pour faire évoluer le système ; car chaque individu fait partie intégrante du système sociétal et choisi la manière dont il y participe. Pour ma part j’ai choisi l’illustration et je me suis tourné vers un univers positif et onirique, qui invite au changement. En effet, il me semble important d’engager les individus pour un changement sociétal au niveau structurel en mettant l’accent sur l’empathie, la poésie et en les faisant aspirer à un monde meilleur plutôt que de vouloir les forcer à changer en leur donnant mauvaise conscience et en faisant appel à des images choquantes ou violentes. Insulter ou culpabiliser un individu est contre-productif à mon sens, cela le braque et l'amène à camper sur ses positions, soit à obtenir l'effet inverse de celui escompté ! Cependant, l’illustration a elle-même des limites, elle implique une simplification du message et gomme ses nuances. De plus, elle comporte plusieurs niveaux d’interprétation et la personne qui voit l’image sans connaître l’intention qui l’anime est libre de l’interpréter comme bon lui semble. 

Mouvement Anonimaux - dessin pour l'évènement artistique de Mr Mondialisation intitulé Derrière le masque. 2012 - crayons aquarellables, ordinateur

L'Eldorado. Libre inspiration. 2008 - encre, ordinateur

 

Les illustrations de Robin Guinin font penser à cette célèbre citation de Pablo Picasso : « Que croyez-vous que soit un artiste ? Un imbécile qui n’a que des yeux s’il est peintre, des oreilles s’il est musicien, ou une lyre à tous les étages du cœur s’il est poète, ou même s’il est boxeur, seulement des muscles ? Bien au contraire, il est en même temps un être politique, constamment conscient d’événements déchirants, impétueux, heureux, auxquels il réagit de tout son être. Comment pourrait-on ne pas éprouver d’intérêt pour les autres et, par la vertu d’une indifférence supérieure, se détacher de la vie qu’ils vous apportent si abondamment ?».  A la fois artiste et citoyen du monde, impliqué dans de nombreuses causes sociales et écologiques, Robin Guinin aide à envisager les déséquilibres sociaux comme des problèmes surmontables, auxquels il est possible de s’attaquer de manière positive à l’échelle individuelle. En valorisant l’harmonie des rapports entre les humains mais aussi ceux entre les humains et leur environnement naturel, l’artiste offre un modèle de système idéal qui stimule l’envie de changement. Les illustrations de Robin Guinin méritent ainsi toute l’attention du lecteur, que j’invite à se rendre sur son blog et sa page Facebook officielle dont les liens se trouvent ci-dessous afin de découvrir l’intégralité de son travail.

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Pierre Philippe, peintre de la transformation

Nemrod, huile sur toile, 150x120 cm, série vision

Pierre Philippe est un artiste peintre qui réalise des toiles immenses mêlant art figuratif et suggestif ainsi que des travaux sur papier plus abstraits. Son travail aborde des sujets variés, répartis en quatre séries principales : Régénérescence, Vision, Polybride et Sèves. Les trois premières séries sont composées en grande majorité de visages en noir et blanc, ou très peu colorés, réalisés à l’huile sur toile et traités de manières très diverses ;  la série Sèves, plus abstraite, utilise quant à elle des pigments purs sur papier: « Mes trois premières séries sont composées de peintures très intellectuelles et rationalisées, qui explorent principalement les expressions du visage et les imaginaires qui leurs sont associés. La dernière série a été à mes yeux une manière de me lâcher et de réaliser des peintures plus spontanées. Elle doit être comprise à part ». 

Dans sa réalisation des séries Régénérescence, Vision et Polybride, l’artiste a fait preuve d’une cohérence sémiotique indéniable et d’une grande habileté technique. Les effets de fondus, de flou, de projection, de transparence, d’opacité sont parfaitement maîtrisés par Pierre Philippe, qui use de son adresse jusque dans la fabrication du châssis de ses toiles : « Je travaille généralement sur grand format et je fabrique tout moi-même. Du châssis en bois à la pose de la toile, commandée par rouleau de 10m sur 2m10 de large. J’emploie exclusivement du lin pour sa résistance. Lorsque je réalise mes peintures, j’'aime beaucoup le contraste entre la finesse de la peinture, ses fondus, son aspect lissé et d'un autre côté la brutalité de la giclure. L'idée est de les unir dans une même composition ». Le résultat final de chaque œuvre est le fruit d’un procédé complexe faisant appel à diverse disciplines. L’artiste emploie des photos de personnes qui lui sont proches, qu’il transforme à l’aide de différents médiums pour obtenir l’effet voulu avant de les reproduire : « Avant de me lancer dans la peinture, je pars d’une image mentale que j’essaye d’approcher en employant tous les mediums qui puissent me permettre de la représenter. Aussi bien la photo, les logiciels type Photoshop ou le croquis à la main. Je redessine les lignes, je modifie les proportions jusqu'à ce que je trouve ce qui me plait. Ces croquis et photos modifiés sont pour moi des outils de travail que je garde, afin de prendre du recul sur l’évolution de mon travail, mais que je considère d’avantage comme un pont vers autre chose de mieux. Ensuite, je quadrille l'image pour que l'échelle soit respectée lorsque je reporte le dessin sur la toile, mais je ne projette jamais l’image sur la toile pour la décalquer ». Au travers de sa production d’immenses toiles, Pierre Philippe semble chercher à figer l’éphémère. Bien que varié, son travail pictural semble suivre les mêmes questionnements sur le changement et la transformation : « Le changement que je peins n'est pas le mien, mais celui qui habite chaque être conscient de son parcours intérieur. Dans le bouddhisme, il est dit que tout n'est que changement. C'est la loi de l'impermanence, une loi universelle qui transcende tout. Étant très attaché à cette notion, j'ai besoin de la transmettre dans la peinture, au travers des visages qui incarnent des transformations. Je ne me peins pas, je peins les choses qui m'habitent. Il y a inéluctablement une part de moi, mais ça n'est pas le but recherché ».

  Eveil, huile sur toile, série polybride

Pépite, huile sur toile, 120x150 cm, série polybride 

Les premières séries de Pierre Philippe visent à traduire en une image fixe des états psychiques fugaces en exacerbant toutes les caractéristiques physiques qui les traduisent. L’artiste met en place un langage imagé particulièrement percutant : « En décomposant les étapes émotionnelles d'une perception, je cherche à rendre visuellement la puissance qu'elles véhiculent en moi».

La série Vision est composée d’une douzaine de toiles, dont la plupart représentent des visages gigantesques (entre 1 et 2 mètres), traités comme s'il s'agissait de photos en train de se développer dans du liquide révélateur. En employant des effets de fondus et de projections liquides, Pierre Philippe donne aux personnages  un aspect désagrégé et imprécis, rend leur physionomie plus difficile à lire, leur confère un côté muable, comme s’ils étaient en pleine métamorphose. Cet aspect insaisissable est encore accentué par les effets de peinture récurrents qui barrent les yeux des personnages et posent une distance supplémentaire entre eux et le spectateur: « j’ai voulu représenter la dualité de la vision qui à la fois est projetée sur l’autre et est influencée par les autres simultanément. Ce procédé me permet de retranscrire par le visuel ce que j’appelle le filtre de la vision ». Dans la série Polybride, l’artiste poursuit  ses questionnements sur la transformation. Néanmoins, les visages sont plus détaillés, les yeux des personnages apparaissent et les expressions sont tour à tour décomposées, morcelées, réassemblées ou encore soulignées grâce à des effets suggestifs de projection ou de flou. Il fige la progression de la gestuelle qui traduit l’expression en découpant le mouvement en deux ou trois étapes qu’il imbrique en une image unique, presque à la manière de totems. De fait, on ressent une certaine sacralité devant ces toiles qui évoquent une perte de contrôle du corps.

 Travel, huile sur toile, 100x200 cm, série vision

Bédouin, huile sur toile, 100x192 cm, série vision

La série Régénérescence, quant à elle, explore le processus de changement à travers trois immenses toiles (entre 4 et 6 mètres) qui se complètent en une sorte d’éveil spirituel synthétisé. La première toile est titrée Trauma : divisée en quatre compartiments par une croix centrale, elle présente un fœtus qui se détache sur un fond noir, qui encercle l’enfant dans une sorte de bulle : « le fœtus contient tout, il peut devenir la meilleur comme la pire des personnes, ici il s’agit presque d’une évocation christique qui rappelle l’enfant destiné la croix mais aussi l’élu, ce qui est renforcé par l’impression qu’il est comme visé à travers une lunette ». La seconde toile, Résurrection, a été réalisée en forme de croix, ce qui accentue son caractère sacré. Elle présente un être inquiétant dont le regard projette de la lumière, rappelant les personnages de la série vision. Son corps semble s’ouvrir comme une graine fécondée et son esprit le quitter dans une extase douloureuse, presque explosive, qui fait penser au retable d’Issenheim. Cette résurrection, contrairement à la résurrection christique qui se fait dans toute son intégrité physique, semble ne concerner que l’âme qui s’extrait violement de son enveloppe charnelle pour s’en échapper. Enfin, la dernière toile, Solaris, est construite comme  le bogue d’un marron béant contenant un visage rayonnant. L’œuvre est divisée en plusieurs toiles qui se combinent tel un puzzle. Au milieu, le visage occupe une toile ronde, enserrée en haut par deux toiles qui figurent les rayonnements du soleil, et en bas, par deux autres qui représentent des racines.

 Trauma, huile sur toile, 400x400 cm, série régénérescence

Résurrection, huile sur toile, 600x600 cm, série régénérescence

 Solaris, huile sur toile, 550x550 cm, série régénérescence

La dernière série, moins construite, présente des assemblages de traits sinueux, où l’œil imagine un enchevêtrement de fils bleus vifs. L’esprit peut y voir le fil de vie contrôlé par les Parques dans la mythologie grecque ou la traduction visuelle d’un cheminement intérieur. Mais pour l’artiste, « Les enchevêtrements bleus sont une manière de symboliser le vivant, l'énergie propre à l’organique. C'est en peignant la toile Résurrection que j'ai adoré peindre ces sortes de " filaments énergétiques ". Ils sont comme des canaux qui guident la lumière spirituelle. C'est une matérialisation de l'énergie que l'on ne voit pas ».

Traversée, pigment pur de bleu majorelle sur papier, 50x60 cm, série sèves

Dualité, pigment pur de bleu majorelle sur papier, 50x60 cm, série sèves

Le travail de l’artiste se dirige à présent vers un retour au figuratif : « Mes futurs travaux continueront à explorer le thème de la métamorphose, mais de manière moins analytique et en employant davantage de couleur. Je souhaite cependant encore approfondir mon travail sur le flou, le visage et son expressivité. J’ai également prévu d’utiliser du lin brut pas du tout apprêté de manière à affirmer les contrastes entre la fluidité de la peinture et la raideur de cette matière ».

 Transit, huile sur toile, 100x120 cm, série vision

 Oil order, huile sur toile, 120x150 cm, série polybride 

 

 J’invite vivement le lecteur à s’intéresser à l’évolution du travail de Pierre Philippe en se rendant sur son site web, où il trouvera l’intégralité de ses toiles et pourra suivre son actualité artistique :

http://www.pierrephilippe.fr/