Benjamin Thollet, explorer l’esthétique de l’Art Brut

Devant les structures complexes et inventives des dessins de Benjamin Thollet, jeune artiste autodidacte originaire de Lyon, l’œil peine à se poser, presque affolé par la quantité de détails, tantôt humoristiques, tantôt terrifiants. Parfois agrémentées de couleurs, ces compositions laissent toutefois une grande part au trait d’encre noire, dont l’intensité varie pour forger contours et zones d’ombre. Des lignes conductrices nerveuses et saillantes, qui évoquent l’art brut, sont ornées d’une multitude de motifs, d’une grande liberté de forme, qui se déploient sur le papier. Ces accumulations de détails, infimes parties de l’œuvre qui interrogent la narration picturale et donnent son sens à l’œuvre, sont organisées de manière à intervenir dans un second temps. D’abord attiré par la structure globale, qui semble vibrer au rythme des détails parcourant le tableau, l’œil s’attarde ensuite sur chaque scénette,  sur chaque effet de matière, qui peuvent être considérés comme des œuvres à part entière. Les personnages, monstrueux et grotesques, presque confondus avec leur environnement, sont le plus souvent relayés au rôle de motif, composant la structure globale comme des éléments d’architecture. Leurs visages, dont les traits distordus sont proches de la caricature, reflètent des états d’âme tourmentés, des sensations fortes, des émotions bouleversantes qui peuvent susciter de l’empathie ou de l’aversion, mais ne laissent indifférent. L’esthétique quasi organique de ces ensembles est parfois dérangeante, comme si l’artiste, en grattant les couches à l’aide de sa plume, avait fait apparaitre les muscles et les nerfs de la structure.

Une impression de dualité se dégage des oeuvres percutantes et troublantes de Benjamin Thollet. La raison de cette double impression s’explique par le processus de travail adopté par l'artiste, qui se déroule en deux temps, comme il l'explique lui-même :

 « Je pars d’une image mentale frappante qui se déploie sur le papier. Dans un premier temps, je mets en place la structure, d’abord au crayon, puis aux posca et promarker. Je repasse ensuite les contours au posca noir en mettant en évidence les points de fuites. J’ajoute éventuellement une mosaïque de couleurs vives, qui sont alternées, sans jamais se toucher ni se mélanger. Dans un second temps, j’ajoute les ombres et détails au staedtler 08 et 005, en revenant sans cesse sur mon travail pour valoriser la structure brute par l’ajout de détails plus composés et réfléchis. Ces détails, souvent humoristiques et dérangeants, parfois symboliques, se greffent à la structure principale et j’y ai trouvé quelque chose de profond, comme un travail de fouille archéologique avec différentes strates à explorer. Leur conception est un travail méditatif et envoutant, qui me happe et au cours duquel j'ai une sensation de flottement intense».

On décèle avec plaisir une évolution dans les compositions de Benjamin Thollet qui, avec le temps, s’épurent et font une place grandissante à la couleur, tel le parcours plastique d'une trajectoire personnelle et maîtrisée au sein d'une forêt d'inspiration: « Avant de me passionner pour le dessin, je m’intéressais surtout au cinéma et au montage, ce qui m’a appris à composer une image. Mes premières œuvres découlaient de mon attrait pour l’art brut, dans lequel j’ai baigné toute mon enfance, et de mon intérêt pour des dessinateurs de bande dessinée et de dessin animés - tels que Robert Crumb, Fluide glacial, Gotlib, Franklin, René Laloux, Moebius, Philippe Druillet, Winshluss, Takahata, Satoshi kon, myazaki, Otomo, ou encore Enki Bilal, dont le travail frappant a causé mon premier vertige artistique. Ces premiers travaux ne répondaient pas toujours à mes attentes esthétiques et c’est pourquoi j’ai décidé de me pencher sur l’accumulation de détails, dont la beauté complexe me fascinait. Je désirais montrer la construction du dessin avec quelques zones très marquées où s’accumulaient formes et effets de textures et c’est après avoir suivi des cours de modèle vivants aux Beaux-Arts de Lyon, que j’ai  véritablement pris confiance en mon trait et établi mon style. J’ai également suivi l’enseignement de François Millet, à l’atelier Capy Darra, qui m’a initié à l’histoire de l’art et m’a aidé à me cadrer. C’est alors que je suis revenu vers la couleur, qui me sert principalement à mettre en valeur les détails et à inciter l’œil à faire des trajets dans l’œuvre en laissant des zones de papier vierge qui contrastent avec des zones très détaillées, parfois nerveuses ou violentes, et des espaces de couleurs vives. Je m’intéresse également de plus en plus à l’impression de vide et de profondeur de plan, que j’essaye d’exploiter dans mes nouveaux dessins.»

L’iconographie des dessins de Benjamin Thollet est hantée par des créatures étranges qui évoquent tour à tour les peintures expressionnistes et torturées d’Otto Dix, les monstres qui habitent les compositions complexes de Jérôme Bosch ou encore les chimères humoristiques de Terry Gilliam. Certains personnages, que l’artiste désigne lui-même par le terme Goom, ont des visages déformés, souvent terminés par une excroissance en forme d’aiguille, évoquant les masques qui protégeaient les médecins de la peste. Ces « Gooms » sont présents de manière récurrente dans différente mises en scène, toujours un peu oniriques et inquiétantes : « Ces créatures sont pour moi comme des alter ego,  qui synthétisent mes peurs. J’avais besoin de les mettre sur papier ;  ensuite une histoire s’est créée autour d’eux, de manière presque mythologique. Il s’agit d’individus qui se repaissent des autres, non pas au sens physique mais plutôt qui dévorent l’intériorité d’autrui, son Moi. Ils synthétisent la manipulation, le jeu avec les émotions des autres, à mes yeux c’est un personnage en lequel chacun dériver à un moment de sa vie. Petit à petit plusieurs types de gooms se sont distingués et le personnage a évolué : après avoir dévoré autrui, ils sont devenus moins destructeurs. Le goom est finalement devenu plus ambigu ; il a gagné en cynisme et en humour. Je l’envisage presque comme une personne avec une évolution intérieure. » 

L’univers visuel de Benjamin Thollet est une forme de langage inédit qui explore la psyché humaine par des paraboles visuelles émancipées du conditionnement académique et qui bousculent les normes esthétiques. L’artiste dévoile une intériorité troublée et parfois tourmentée au travers de ces dessins structurés et sophistiqués qui invitent à une réflexion philosophique sur la complexité de la nature humaine. J’invite le lecteur à se rendre sur la page web dédiée à son travail pour en apprendre d’avantage : https://www.facebook.com/MOOG-809708705726860/

Les sculptures marines animées de Yutaka Kamiyama

Peintre, sculpteur et artisan, capable à la fois de concevoir des machines complexes et de reproduire minutieusement la nature, Yutaka Kamiyama est un artiste japonais polyvalent, actif depuis plus de vingt ans dans une petite ville balnéaire près de Tokyo.

Grand observateur du monde marin, il réalise de sublimes sculptures cinétiques de bois, inspirées de la faune marine, tout en enseignant la peinture et l’artisanat en parallèle. Ses sculptures animalières, minutieuses et délicates, sont en réalité des machines complexes, particulièrement ingénieuses : ses animaux marins de différentes tailles sont disposés sur des socles de bois sculptés qui empruntent des formes diverses évoquant tour à tour des algues, des coraux ou encore les ondulations de l'eau. Ces structures sont dotées de manivelles permettant d’actionner les engrenages et d’animer chaque créature marine réelle ou imaginaire. Ces sculptures cinétiques plongent le spectateur dans un univers onirique, où prend vie tout un bestiaire aquatique dont chaque pièce de bois qui composent le corps de l’animal se meut individuellement. Lorsqu’ils sont animés, grâce à l’action de la manivelle, on assiste à un ballet étrange où les danseurs sont des baleines, des espadons, des cachalots, des rascasses, des sirènes ou encore des poissons des abysses, flottant dans les airs avec grâce, sans véritablement se déplacer. La poésie qui se dégage de ce spectacle est encore renforcée par les transformations d’échelles que subissent ces animaux : la sèche semble presque aussi grosse que la baleine, la rascasse plus imposante que le cachalot. Ce jeu d’échelle évoque aussi bien les maquettes de sciences naturelles que des jouets anciens élaborés et forment un ensemble ludique, pédagogique, accessible et particulièrement attachant.

Faites de matériaux naturels et liées au mouvement du corps, ces sculptures animalières s'éloignent de la technologie et la robotique pour rejoindre les Sciences naturelles et l’observation de la vie. Elles explorent la dialectique entre l’artiste, le public et l’animal mais surtout interrogent les liens entre l’Homme et la Nature. L'homme est en effet un élément de l'œuvre, au même titre que la structure de bois. Celle-ci suit  sa propre grammaire, telle que la conçoit l'artiste: « Le corps principal est sculpté dans du bois de cyprès, de camphre et de ginko; ces bois ont une forte portée symbolique au japon et sont notamment utilisés pour les Statues de Bouddha d'antan. Pour la plinthe et les parties mécaniques, j’emploie un bois plus dur tels que le chêne vert, le cerisier, l’orme, le châtaigner et l’érable. Chaque bois a son propre caractère, leurs différences peuvent être vues en observant leur couleur, leur parfum, et leur viscosité. Je suis profondément fasciné par chaque propriété de ces bois et je vois la vie d'un arbre à travers chacun d’eux. En utilisant le bois, mon intention est aussi de ranimer la vie de l'arbre sous une nouvelle forme. » La démarche de réanimation du vivant entreprise par Yutaka s'exprime dans l’adresse dont il fait preuve dans sa manière d’imiter les gestuelles animales.

Chaque animal factice de Yutaka Kamiyama emprunte précisément la gestuelle que son modèle vivant effectue pour se déplacer sous l’eau, ajoutant ainsi à l’impression de réalisme mais surtout à la poésie qu'il y a à donner au bois, sous la forme d'animaux, une nouvelle vie. Le mouvement ne génère pas de déplacement mais reproduit la manière de se mouvoir de chaque animal, de façon plus lente, décomposée en gestes mécaniques, ce qui permet d’apprécier avec plus d’intimité le rythme de l’animal. Cette décomposition du mouvement évoque les photographies de Jules-Etienne Marey, ou d’Eadweard Muybridge, qui présentent à la suite des tirages de chaque geste qui composent le comportement d’un animal. Néanmoins, les animaux marins de Yutaka Kamiyama s’animent d’un élan réel et non suggéré par deux dimensions ; à la manière des sculptures mobiles d’Alexander Calder, des machines de Jean Tinguely, des travaux des constructivistes ou encore ceux de certains artistes numériques, ce mouvement participe entièrement à l'oeuvre. L’artiste insiste sur cet aspect essentiel : « Je considère qu’une pièce n’est complète que lorsque l'auditoire anime la sculpture en actionnant la manivelle. La participation du public fait partie intégrante de l’œuvre. »  Yutaka Kamiyama a pour vocation de rendre le spectateur acteur de sa propre perception, de l'entraîner dans une dynamique d'élargissement sensoriel et sémantique. Chacune de ses sculptures se vit comme une expérience. L’action de la manivelle permet d’entendre les craquements du bois, les grincements des engrenages et les chocs des pièces articulées, créant ainsi un paysage sonore unique, explorant les qualités plastiques du son du bois. Contrairement aux formes d'art traditionnelles où l'interaction entre l’œuvre et le spectateur est surtout un événement mental, de l'ordre de la réception, ces machines interactives multiplient les expériences sensorielles et participent d'un art total alliant peinture, sculpture, scénographie et animation.

En combinant ses connaissances techniques et biologiques à une poésie subtile et onirique, Yutaka Kamiyama parvient à reproduire la nature par la mécanique. Ce procédé rappelle les animaux marins animés de Bob Potts, mais Yutaka Kamiyama se distingue de ce dernier par son emploi de matériaux naturels et surtout par la minutie de ses réalisations : « J’ai réalisé la première pièce de cette série il y a sept ans, après ma rencontre avec un cachalot de 15 mètres de long, échoué sur la plage près de chez moi. Sa taille et sa forme m’ont frappé et depuis lors, j'ai un grand intérêt pour la vie marine et son environnement, que j’observe durant de longues heures chaque jour. Je suis également préoccupé par sa sauvegarde et mon travail consiste également à faire prendre conscience de l’aspect crucial de la protection de la faune marine ». Ainsi, chaque animal marin dépend du spectateur pour s’animer et ce n’est que lorsque le spectateur agit que l’animal prend vie. Ce procédé permet ainsi de prendre conscience de l’importance de l’action individuelle dans la sauvegarde de la faune marine, dont l’équilibre fragile est menacé.

La faune marine cinétique de Yutaka Kamiyama, déjà reconnue au Japon, a été présentée récemment à Paris, lors du Salon Art Shopping 2016, où il a exposé une baleine de son bestiaire : « C'était vraiment une bonne expérience pour moi, j’ai eu l’occasion de rencontrer des gens du monde entier qui ont montré de l’intérêt pour ma pièce. » J’ai moi-même eu l’occasion de l’actionner, de sentir les mécanismes de bois se mettre en branle et de voir l’animal prendre vie de manière tout à fait remarquable. Cette expérience aussi ludique que poétique fige le temps et on peut se prendre à rester longtemps à actionner la manivelle tout en regardant l’animal se mouvoir. Ces pièces seront exposées lors de deux événements au Japon au cours de l’année 2017 : « Mes plus grandes pièces seront exposées durant l’exposition «Kokuten», une exposition collective au Centre national d'art à Tokyo en mai prochain. Je prévois également de montrer mon plus grand travail tridimensionnel durant «The 27th UBE BIENNALE» dans la préfecture de Yamaguchi, au Japon, en août prochain. »

J’invite le lecteur à se rendre sur le site de Yutaka Kamiyama dont le lien se trouve ci-dessous afin de suivre l’évolution de son travail et de découvrir l’intégralité de ses sculptures cinétiques.

http://artsofkamiyama.jimdo.com

Pierre Philippe, peintre de la transformation

Nemrod, huile sur toile, 150x120 cm, série vision

Pierre Philippe est un artiste peintre qui réalise des toiles immenses mêlant art figuratif et suggestif ainsi que des travaux sur papier plus abstraits. Son travail aborde des sujets variés, répartis en quatre séries principales : Régénérescence, Vision, Polybride et Sèves. Les trois premières séries sont composées en grande majorité de visages en noir et blanc, ou très peu colorés, réalisés à l’huile sur toile et traités de manières très diverses ;  la série Sèves, plus abstraite, utilise quant à elle des pigments purs sur papier: « Mes trois premières séries sont composées de peintures très intellectuelles et rationalisées, qui explorent principalement les expressions du visage et les imaginaires qui leurs sont associés. La dernière série a été à mes yeux une manière de me lâcher et de réaliser des peintures plus spontanées. Elle doit être comprise à part ». 

Dans sa réalisation des séries Régénérescence, Vision et Polybride, l’artiste a fait preuve d’une cohérence sémiotique indéniable et d’une grande habileté technique. Les effets de fondus, de flou, de projection, de transparence, d’opacité sont parfaitement maîtrisés par Pierre Philippe, qui use de son adresse jusque dans la fabrication du châssis de ses toiles : « Je travaille généralement sur grand format et je fabrique tout moi-même. Du châssis en bois à la pose de la toile, commandée par rouleau de 10m sur 2m10 de large. J’emploie exclusivement du lin pour sa résistance. Lorsque je réalise mes peintures, j’'aime beaucoup le contraste entre la finesse de la peinture, ses fondus, son aspect lissé et d'un autre côté la brutalité de la giclure. L'idée est de les unir dans une même composition ». Le résultat final de chaque œuvre est le fruit d’un procédé complexe faisant appel à diverse disciplines. L’artiste emploie des photos de personnes qui lui sont proches, qu’il transforme à l’aide de différents médiums pour obtenir l’effet voulu avant de les reproduire : « Avant de me lancer dans la peinture, je pars d’une image mentale que j’essaye d’approcher en employant tous les mediums qui puissent me permettre de la représenter. Aussi bien la photo, les logiciels type Photoshop ou le croquis à la main. Je redessine les lignes, je modifie les proportions jusqu'à ce que je trouve ce qui me plait. Ces croquis et photos modifiés sont pour moi des outils de travail que je garde, afin de prendre du recul sur l’évolution de mon travail, mais que je considère d’avantage comme un pont vers autre chose de mieux. Ensuite, je quadrille l'image pour que l'échelle soit respectée lorsque je reporte le dessin sur la toile, mais je ne projette jamais l’image sur la toile pour la décalquer ». Au travers de sa production d’immenses toiles, Pierre Philippe semble chercher à figer l’éphémère. Bien que varié, son travail pictural semble suivre les mêmes questionnements sur le changement et la transformation : « Le changement que je peins n'est pas le mien, mais celui qui habite chaque être conscient de son parcours intérieur. Dans le bouddhisme, il est dit que tout n'est que changement. C'est la loi de l'impermanence, une loi universelle qui transcende tout. Étant très attaché à cette notion, j'ai besoin de la transmettre dans la peinture, au travers des visages qui incarnent des transformations. Je ne me peins pas, je peins les choses qui m'habitent. Il y a inéluctablement une part de moi, mais ça n'est pas le but recherché ».

  Eveil, huile sur toile, série polybride

Pépite, huile sur toile, 120x150 cm, série polybride 

Les premières séries de Pierre Philippe visent à traduire en une image fixe des états psychiques fugaces en exacerbant toutes les caractéristiques physiques qui les traduisent. L’artiste met en place un langage imagé particulièrement percutant : « En décomposant les étapes émotionnelles d'une perception, je cherche à rendre visuellement la puissance qu'elles véhiculent en moi».

La série Vision est composée d’une douzaine de toiles, dont la plupart représentent des visages gigantesques (entre 1 et 2 mètres), traités comme s'il s'agissait de photos en train de se développer dans du liquide révélateur. En employant des effets de fondus et de projections liquides, Pierre Philippe donne aux personnages  un aspect désagrégé et imprécis, rend leur physionomie plus difficile à lire, leur confère un côté muable, comme s’ils étaient en pleine métamorphose. Cet aspect insaisissable est encore accentué par les effets de peinture récurrents qui barrent les yeux des personnages et posent une distance supplémentaire entre eux et le spectateur: « j’ai voulu représenter la dualité de la vision qui à la fois est projetée sur l’autre et est influencée par les autres simultanément. Ce procédé me permet de retranscrire par le visuel ce que j’appelle le filtre de la vision ». Dans la série Polybride, l’artiste poursuit  ses questionnements sur la transformation. Néanmoins, les visages sont plus détaillés, les yeux des personnages apparaissent et les expressions sont tour à tour décomposées, morcelées, réassemblées ou encore soulignées grâce à des effets suggestifs de projection ou de flou. Il fige la progression de la gestuelle qui traduit l’expression en découpant le mouvement en deux ou trois étapes qu’il imbrique en une image unique, presque à la manière de totems. De fait, on ressent une certaine sacralité devant ces toiles qui évoquent une perte de contrôle du corps.

 Travel, huile sur toile, 100x200 cm, série vision

Bédouin, huile sur toile, 100x192 cm, série vision

La série Régénérescence, quant à elle, explore le processus de changement à travers trois immenses toiles (entre 4 et 6 mètres) qui se complètent en une sorte d’éveil spirituel synthétisé. La première toile est titrée Trauma : divisée en quatre compartiments par une croix centrale, elle présente un fœtus qui se détache sur un fond noir, qui encercle l’enfant dans une sorte de bulle : « le fœtus contient tout, il peut devenir la meilleur comme la pire des personnes, ici il s’agit presque d’une évocation christique qui rappelle l’enfant destiné la croix mais aussi l’élu, ce qui est renforcé par l’impression qu’il est comme visé à travers une lunette ». La seconde toile, Résurrection, a été réalisée en forme de croix, ce qui accentue son caractère sacré. Elle présente un être inquiétant dont le regard projette de la lumière, rappelant les personnages de la série vision. Son corps semble s’ouvrir comme une graine fécondée et son esprit le quitter dans une extase douloureuse, presque explosive, qui fait penser au retable d’Issenheim. Cette résurrection, contrairement à la résurrection christique qui se fait dans toute son intégrité physique, semble ne concerner que l’âme qui s’extrait violement de son enveloppe charnelle pour s’en échapper. Enfin, la dernière toile, Solaris, est construite comme  le bogue d’un marron béant contenant un visage rayonnant. L’œuvre est divisée en plusieurs toiles qui se combinent tel un puzzle. Au milieu, le visage occupe une toile ronde, enserrée en haut par deux toiles qui figurent les rayonnements du soleil, et en bas, par deux autres qui représentent des racines.

 Trauma, huile sur toile, 400x400 cm, série régénérescence

Résurrection, huile sur toile, 600x600 cm, série régénérescence

 Solaris, huile sur toile, 550x550 cm, série régénérescence

La dernière série, moins construite, présente des assemblages de traits sinueux, où l’œil imagine un enchevêtrement de fils bleus vifs. L’esprit peut y voir le fil de vie contrôlé par les Parques dans la mythologie grecque ou la traduction visuelle d’un cheminement intérieur. Mais pour l’artiste, « Les enchevêtrements bleus sont une manière de symboliser le vivant, l'énergie propre à l’organique. C'est en peignant la toile Résurrection que j'ai adoré peindre ces sortes de " filaments énergétiques ". Ils sont comme des canaux qui guident la lumière spirituelle. C'est une matérialisation de l'énergie que l'on ne voit pas ».

Traversée, pigment pur de bleu majorelle sur papier, 50x60 cm, série sèves

Dualité, pigment pur de bleu majorelle sur papier, 50x60 cm, série sèves

Le travail de l’artiste se dirige à présent vers un retour au figuratif : « Mes futurs travaux continueront à explorer le thème de la métamorphose, mais de manière moins analytique et en employant davantage de couleur. Je souhaite cependant encore approfondir mon travail sur le flou, le visage et son expressivité. J’ai également prévu d’utiliser du lin brut pas du tout apprêté de manière à affirmer les contrastes entre la fluidité de la peinture et la raideur de cette matière ».

 Transit, huile sur toile, 100x120 cm, série vision

 Oil order, huile sur toile, 120x150 cm, série polybride 

 

 J’invite vivement le lecteur à s’intéresser à l’évolution du travail de Pierre Philippe en se rendant sur son site web, où il trouvera l’intégralité de ses toiles et pourra suivre son actualité artistique :

http://www.pierrephilippe.fr/