Benjamin Thollet, explorer l’esthétique de l’Art Brut

Devant les structures complexes et inventives des dessins de Benjamin Thollet, jeune artiste autodidacte originaire de Lyon, l’œil peine à se poser, presque affolé par la quantité de détails, tantôt humoristiques, tantôt terrifiants. Parfois agrémentées de couleurs, ces compositions laissent toutefois une grande part au trait d’encre noire, dont l’intensité varie pour forger contours et zones d’ombre. Des lignes conductrices nerveuses et saillantes, qui évoquent l’art brut, sont ornées d’une multitude de motifs, d’une grande liberté de forme, qui se déploient sur le papier. Ces accumulations de détails, infimes parties de l’œuvre qui interrogent la narration picturale et donnent son sens à l’œuvre, sont organisées de manière à intervenir dans un second temps. D’abord attiré par la structure globale, qui semble vibrer au rythme des détails parcourant le tableau, l’œil s’attarde ensuite sur chaque scénette,  sur chaque effet de matière, qui peuvent être considérés comme des œuvres à part entière. Les personnages, monstrueux et grotesques, presque confondus avec leur environnement, sont le plus souvent relayés au rôle de motif, composant la structure globale comme des éléments d’architecture. Leurs visages, dont les traits distordus sont proches de la caricature, reflètent des états d’âme tourmentés, des sensations fortes, des émotions bouleversantes qui peuvent susciter de l’empathie ou de l’aversion, mais ne laissent indifférent. L’esthétique quasi organique de ces ensembles est parfois dérangeante, comme si l’artiste, en grattant les couches à l’aide de sa plume, avait fait apparaitre les muscles et les nerfs de la structure.

Une impression de dualité se dégage des oeuvres percutantes et troublantes de Benjamin Thollet. La raison de cette double impression s’explique par le processus de travail adopté par l'artiste, qui se déroule en deux temps, comme il l'explique lui-même :

 « Je pars d’une image mentale frappante qui se déploie sur le papier. Dans un premier temps, je mets en place la structure, d’abord au crayon, puis aux posca et promarker. Je repasse ensuite les contours au posca noir en mettant en évidence les points de fuites. J’ajoute éventuellement une mosaïque de couleurs vives, qui sont alternées, sans jamais se toucher ni se mélanger. Dans un second temps, j’ajoute les ombres et détails au staedtler 08 et 005, en revenant sans cesse sur mon travail pour valoriser la structure brute par l’ajout de détails plus composés et réfléchis. Ces détails, souvent humoristiques et dérangeants, parfois symboliques, se greffent à la structure principale et j’y ai trouvé quelque chose de profond, comme un travail de fouille archéologique avec différentes strates à explorer. Leur conception est un travail méditatif et envoutant, qui me happe et au cours duquel j'ai une sensation de flottement intense».

On décèle avec plaisir une évolution dans les compositions de Benjamin Thollet qui, avec le temps, s’épurent et font une place grandissante à la couleur, tel le parcours plastique d'une trajectoire personnelle et maîtrisée au sein d'une forêt d'inspiration: « Avant de me passionner pour le dessin, je m’intéressais surtout au cinéma et au montage, ce qui m’a appris à composer une image. Mes premières œuvres découlaient de mon attrait pour l’art brut, dans lequel j’ai baigné toute mon enfance, et de mon intérêt pour des dessinateurs de bande dessinée et de dessin animés - tels que Robert Crumb, Fluide glacial, Gotlib, Franklin, René Laloux, Moebius, Philippe Druillet, Winshluss, Takahata, Satoshi kon, myazaki, Otomo, ou encore Enki Bilal, dont le travail frappant a causé mon premier vertige artistique. Ces premiers travaux ne répondaient pas toujours à mes attentes esthétiques et c’est pourquoi j’ai décidé de me pencher sur l’accumulation de détails, dont la beauté complexe me fascinait. Je désirais montrer la construction du dessin avec quelques zones très marquées où s’accumulaient formes et effets de textures et c’est après avoir suivi des cours de modèle vivants aux Beaux-Arts de Lyon, que j’ai  véritablement pris confiance en mon trait et établi mon style. J’ai également suivi l’enseignement de François Millet, à l’atelier Capy Darra, qui m’a initié à l’histoire de l’art et m’a aidé à me cadrer. C’est alors que je suis revenu vers la couleur, qui me sert principalement à mettre en valeur les détails et à inciter l’œil à faire des trajets dans l’œuvre en laissant des zones de papier vierge qui contrastent avec des zones très détaillées, parfois nerveuses ou violentes, et des espaces de couleurs vives. Je m’intéresse également de plus en plus à l’impression de vide et de profondeur de plan, que j’essaye d’exploiter dans mes nouveaux dessins.»

L’iconographie des dessins de Benjamin Thollet est hantée par des créatures étranges qui évoquent tour à tour les peintures expressionnistes et torturées d’Otto Dix, les monstres qui habitent les compositions complexes de Jérôme Bosch ou encore les chimères humoristiques de Terry Gilliam. Certains personnages, que l’artiste désigne lui-même par le terme Goom, ont des visages déformés, souvent terminés par une excroissance en forme d’aiguille, évoquant les masques qui protégeaient les médecins de la peste. Ces « Gooms » sont présents de manière récurrente dans différente mises en scène, toujours un peu oniriques et inquiétantes : « Ces créatures sont pour moi comme des alter ego,  qui synthétisent mes peurs. J’avais besoin de les mettre sur papier ;  ensuite une histoire s’est créée autour d’eux, de manière presque mythologique. Il s’agit d’individus qui se repaissent des autres, non pas au sens physique mais plutôt qui dévorent l’intériorité d’autrui, son Moi. Ils synthétisent la manipulation, le jeu avec les émotions des autres, à mes yeux c’est un personnage en lequel chacun dériver à un moment de sa vie. Petit à petit plusieurs types de gooms se sont distingués et le personnage a évolué : après avoir dévoré autrui, ils sont devenus moins destructeurs. Le goom est finalement devenu plus ambigu ; il a gagné en cynisme et en humour. Je l’envisage presque comme une personne avec une évolution intérieure. » 

L’univers visuel de Benjamin Thollet est une forme de langage inédit qui explore la psyché humaine par des paraboles visuelles émancipées du conditionnement académique et qui bousculent les normes esthétiques. L’artiste dévoile une intériorité troublée et parfois tourmentée au travers de ces dessins structurés et sophistiqués qui invitent à une réflexion philosophique sur la complexité de la nature humaine. J’invite le lecteur à se rendre sur la page web dédiée à son travail pour en apprendre d’avantage : https://www.facebook.com/MOOG-809708705726860/

Les paysages urbains de Julien Peschard

Julien Peschard est un artiste polyvalent, à la fois peintre, photographe et sérigraphe, qui réside et enseigne en région parisienne. Après une initiation artistique auprès de plusieurs ateliers à Paris, il poursuit son cursus à l’UFR d’arts plastiques de l’Université de la Sorbonne, où il obtient une licence puis un Master. Il se tourne ensuite vers l’enseignement, d’abord dans un cadre associatif, puis, à partir de 2009, en collège et lycée où il occupe la fonction de professeur certifié d'Arts plastiques : « Je dois beaucoup à mon professeur de lycée, dont l’enseignement fut le point de départ de mon parcours artistique mais aussi professionnel. Je ne suis pas devenu peintre et enseignant par hasard. Ce monsieur a suscité l’intérêt, le gout de la recherche et du travail et je lui en suis très reconnaissant. C’est aussi simplement pour cela que j’ai souhaité à mon tour, transmettre ma passion auprès des jeunes ». 

 16h15, 50 x 50 cm, 2016

Partagé entre création et transmission, Julien Peschard réalise des peintures mixtes, combinant acrylique, encre et peinture à l’huile, qui représentent des vues panoramiques de paysages urbains où n’apparait aucune figure humaine. Les masses des bâtiments se détachent par chaque touche de peinture et les formes sont épurées : aucune fenêtre, antenne, cheminée ou autre élément ne vient distraire le regard et la pensée. Cette économie de moyen évoque une image synthétisée de la ville en tant qu’entité disproportionnée devant laquelle l’être humain saisit sa propre fragilité et éprouve le sentiment du sublime. L’artiste travaille principalement au couteau, appliquant chaque couleur de manière à créer des effets de lumière et profondeur et utilisant chaque ajout de matière pour constituer ses bâtiments. Les traces des mouvements faits par le couteau ou le pinceau restent visibles, la touche est épaisse, ce qui donne aux tableaux un aspect inachevé, proche du flou photographique. Le couteau semble déposer simultanément plusieurs couleurs, emprisonnées dans la matière, qui font vibrer la surface. Ce travail de la matière offre une dimension presque sculpturale à ses peintures et le spectateur peut reconstituer par la pensée chaque ajout de matière fait par le peintre : « L’empâtement est en effet une des composantes importantes du travail de la surface de mes toiles, au même titre que la taille des touches et les nuances de couleurs. Elle s’obtient par l’accumulation des couches, ce qui donne à la toile un grain particulier, une épaisseur. Cependant, le risque d’obtenir un résultat « brouillon » me pend souvent au nez. En effet, à force d’accumuler la matière et donc les couleurs, la peinture peut tout aussi bien se désagréger, disparaître pour finir par ne ressembler à rien. Si l’on perd de vue l’idée initiale, le risque que la composition de la toile ne soit chargée que d’une accumulation de matière devient fort. Sur le plan technique donc, le couteau ne doit pas être chargé à l’excès car cela nuit tout à la fois à la glisse, à la maitrise du motif et des aplats. »

 Détail

 La ville, symbole par excellence de la civilisation en occident, nourrit l'imaginaire de nombreux peintres, cinéastes, romanciers, philosophes, designers, architectes, artistes plasticiens, artistes numériques, etc. Qu’elle soit contemporaine, futuriste, disparue ou fantasmée, son organisation est constamment soumise aux recherches de structure et de profondeur et sa portée symbolique ne cesse d’être exploitée. Pourtant, face aux villes de Julien Peschard, un sentiment de fascination bien particulier saisit les sens et  renouvelle l’expérience esthétique du quotidien. La société urbanisée en constante évolution dans le temps et dans l’espace est reconstruite de manière imaginaire : sur certaines toiles, on croit reconnaître des endroits familiers, sur d’autres on est transporté dans des villes exotiques, difficile à localiser précisément et qui invitent au voyage. Parfois, un élément architectural offre une piste topologique pour identifier la ville. Une série de toile est ainsi inspirée de vues de Paris :« Pour la série des peintures sur Paris, j’ai souvent incorporé un élément identifiable tel que le Sacré-Cœur, la Tour Eiffel, ou le quartier de La Défense. Cependant, de manière générale mes villes sont composées à partir d’un métissage de paysages croisés au cours de voyages et issus de mon imagination. J’aime l’idée que la toile quitte les rivages de la figuration sans toutefois s’en éloigner totalement. Ainsi, celui ou celle qui regarde peut tout à la fois identifier le thème de la ville, mais en imaginant l’endroit qu’il ou elle souhaite voir. »

 Paris, 8h21, 80 x 120 cm

 Paris, 19h32, 50 x 50 cm, 2015

Julien Peschard ne se contente pas de jouer avec la notion d’espace mais s’intéresse également à celle de temps. Les titres de chaque toile sont des horaires précis, qui correspondent à l’heure du jour ou de la nuit à laquelle l’artiste associe le paysage qui est représenté. La temporalité constitue le sujet de la toile aux yeux du peintre et l’espace de la ville se voit modelé différemment selon les conditions météorologiques : « Les couleurs, contrastes, la tonalité du ciel sont autant d’ingrédients qui me dictent le titre, une fois la peinture achevée. Assez curieusement, il arrive fréquemment que je termine le tableau à l’heure qu’il évoque. Je me sers donc souvent de l’heure à laquelle je termine le travail pour fixer cela. L’histoire d’un tableau (Paris, 00h23) est à ce propos assez mystérieuse. J’ai commencé cette peinture le soir des événements du 13 novembre à Paris. Comme d’habitude, j’étais enfermé dans mon atelier. J’avais commencé ma toile et m’étais dit « ce sera un Paris, de nuit ». Pendant que je travaillais mon ciel nocturne, allant d’un noir bleuté jusqu’à un rouge (que j’estimais alors exagéré) pour exprimer le reflet des couleurs de la ville, le téléphone sonnait avec insistance. Agacé, j’ai donc abandonné le travail mais conservé le ciel. J’apprendrais ensuite ce qu’il se passait. J’ai repris la toile longtemps après, non sans appréhension, sans jamais retoucher le ciel et son reflet rouge. Et puis, le hasard a fait le reste : un couple habitant à 20 mètres du Bataclan, et dont la fille était cachée en pleine rue le soir du 13 novembre, en a fait l’acquisition lors d’une exposition, sans connaître son histoire de prime abord. Lorsque je leur ai expliqué, et qu’ils m’ont dit où ils résidaient, nous étions tous les trois bouleversés du destin de ce tableau. « 00h23 » correspond à l’heure de fin de toutes ces horreurs. Mais il fallait le savoir ! »

 Paris, 13/11, 00h23, 50 x 100 cm, 2015-16

Les oeuvres de Julien Peschard invite à vagabonder dans les villes, à arpenter les avenues et les ruelles qu’on imagine entre les touches de couleurs qui forment les bâtiments et à se perdre dans la profondeur du champ. Ces cités faites de carrés et de rectangles en relief, répondent à un tracé qui tente de donner sens à l’espace de la ville mais surtout qui s’attachent à révéler la vie qui l’habite. Il s’agit aussi bien de montrer la vie des êtres qui y résident que de révéler la vie inhérente à la ville elle-même. Les mosaïques de couleurs restreintes, à la fois structurées et chaotiques, semblent en mouvement et leur relief important accentue encore cette sensation ; comme si la ville, en constante expansion, pouvait à tout moment sortir du cadre. Les villes de Julien Peschard, presque vivantes, ont un aspect dérangeant et presque effrayant : « De mon point de vue, la ville est à la fois sublime et effrayante pour des raisons presque similaires. De par les couleurs, les motifs qu’elle donne à voir. Les villes que l’on surplombe ressemblent parfois à des océans, des masses gigantesques et tentaculaires. Lors d’une exposition, quelqu’un m’a dit que mes peintures « grouillaient de vie » et que si cela était « réussi », c’était aussi « très oppressant ». Voilà une définition que j’ai trouvé cohérente. »

 02h28, 100 x 100 cm, 2016

Ses compositions urbaines géométriques à la palette chromatique restreinte ne sont pas sans évoquer les paradigmes propres au mouvement cubiste. Ainsi, les variations chromatiques ne semblent pas conçues comme reproduction de la réalité mais plutôt comme composition d’ombres et de lumières, de pleins et de vides que l’emploi du carré et du rectangle renforcent. Pourtant, Peschard marque sa distance avec ce courant: « Assez curieusement, je ne suis pas très sensible à ce qu’on peut qualifier de « cubiste ». Bien que l’on associe souvent mon travail à cela, je ne m’en revendique pas. Je préfère davantage considérer mes toiles comme des mises en scène jouant sur les rapports entre les plages de couleurs et les volumes (carrés, rectangles), parfois cernés par des traits/lignes. En réalité, l’aspect « cubiste » est davantage conditionné par l’outil (le couteau) que par une volonté de produire un motif géométrique. »

 19h39, 120 x 80 cm, 2016

Au-delà de cet aspect géométrique, Julien Peschard explore la poésie fiévreuse de la ville, démesurée et bourdonnante, au travers de grandes compositions qui évoquent les paysages abstraits, denses et fragmentés de Vieira da Silva, ou encore ceux de Zao Wou-Ki, aussi nerveux et puissants que poétiques. L’attention qu’il accorde aux conditions atmosphériques, qui sont le sujet de ses œuvres, rappelle naturellement le courant impressionniste. Julien Peschard construit en effet son oeuvre dans une connaissance profonde de diverses traditions picturales : « J’apprécie particulièrement le travail des artistes du paysagisme abstrait telle que Vieira Da Silva. Bien entendu je m’intéresse également au travail de Maîtres comme Van Gogh, Monet ou Bonnard. Le courant impressionniste, de manière générale, m’inspire également. Par exemple, je voue une admiration sans borne à Turner. Essentiellement pour son travail acharné sur la lumière, la couleur. J’admire la puissance de son œuvre pour la vérité qu’elle dégage. De toute l’histoire de l’art, il fait partie des rares qui ont observé de manière très pointue les phénomènes naturels et leurs variations chromatiques inépuisables, saisies sur le vif et en plein air. Je pourrais parler pendant des heures de ses couchers de soleil dorés, de ses marines bleutées, de ses paysages éblouissants ou flamboyants. J’apprécie également le travail de Gherard Richter, notamment ses peintures sur la ville qui explorent la construction, le rapport aux masses. Je me suis également beaucoup intéressé aux théories scientifiques et philosophiques sur la couleur et notamment aux travaux d’Isaac Newton, de Johann Wolfang von Goethe, mais aussi de Charles Baudelaire. »

19h47, 100 x 50 cm, 2016

 Paris, 10h16, 100 x 100 cm, 2015

L’approche sensorielle de Julien Peschard fait également écho à son travail photographique, parallèle à sa production picturale. Il est possible de distinguer ses propres pérégrinations urbaines, son intérêt pour l’instantané et l’aspect éphémère des variations météorologiques, qui transforment l’image et déterminent l’ambiance de la toile dans ses compositions picturales : « La plupart du temps, la photographie est un élément déclencheur de mon processus de création. Lorsque le temps me le permet, j’aime chercher, puis sélectionner des points de vue souvent panoramiques, offrant une large et belle perspective. Cela vient très probablement de mon intérêt – que dis-je... – de ma Passion pour l’orage. Lorsque la saison estivale approche, je délaisse souvent la peinture pour aller observer et photographier ce phénomène météorologique qui me fascine par sa puissance et sa splendeur. Simplement, cela nécessite une bonne dose de patience. A la fois pour dénicher des points de vue bien orientés et suffisamment dégagés mais aussi car l’orage est comme une bête sauvage : imprévisible et ne se laissant pas facilement approcher. Durant ces déplacements, donc, je prends souvent beaucoup de photographies, et effectue quelques croquis préparatoires à l’encre pour la recherche des couleurs. Ces « promenades » sont essentielles à mon processus de création. Le cadrage de mes composition picturales, toujours le même, rappelle ces points de vue en hauteur et dégagés que j’évoquais plus tôt. Bien entendu, cela évoque aussi le recul que j’aime prendre par rapport à l’espace urbain. J’aime l’agitation d’une grande ville mais dans le même temps, cela peut m’oppresser. Voilà pourquoi les vues sont pensées avec du recul. »

 08h34, 80 x 80, 2015

L’intérêt que porte Julien Peschard au céleste transparait de manière frappante dans ses toiles, qui laissent presque systématiquement voir une part de ciel plus ou moins calme. Or, peindre le ciel, c’est peindre une atmosphère : qu’il soit lourd et menaçant, flamboyant, rougeoyant, translucide, nuageux, d’un bleu vibrant ou obscur, le ciel détermine l’aura de la toile. Il complète le motif de la ville aussi bien qu’il s’y oppose ; et, de manière intéressante, l’artiste provoque généralement un contraste stylistique et de matière entre le ciel et la ville. Ce procédé, aussi bien esthétique que symbolique, cristallise l’opposition célèbre du couple idéologique nature-culture, que l’artiste explore dans ses toiles : « Le ciel constitue un élément indispensable dans mon travail. Sa proportion dans la composition de la toile est presque toujours inférieure à celle du paysage terrestre. Cela ne veut pas dire que cette part est moins importante, au contraire. Elle surplombe l’espace de la toile. Je peux passer et revenir dessus pendant deux, cinq, dix jours, parfois davantage. Tant qu’un ciel ne me convient pas, je continue de le façonner. J’accorde une importance particulière à ce que celui-ci peut dégager. Dans ses formes, ses couleurs, il conditionne l’ambiance générale de la toile. Je passe énormément de temps à scruter le ciel et tenter de déchiffrer les multiples couleurs que celui-ci peut offrir, selon les conditions météorologiques. Tout ceci évolue du matin jusqu’au soir. Chaque journée est différente, il n’y a pas deux ciels qui soient identiques et je trouve cela fascinant. Dans un paysage, la part de ciel offre au peintre une liberté créative quasi inépuisable. De plus, je souhaite alimenter la réflexion sur le contraste symbolique entre la Nature et l’autre nature, celle transformée par l’homme. J’ai toujours souhaité que mon travail donne à voir cette opposition nature/culture. La condition de l’homme face à la nature m’intéresse particulièrement. C’est pourquoi le ciel dans mes tableaux est souvent agité et parfois apocalyptique. L’homme peut se développer et grignoter la nature pour bâtir ses villes gigantesques mais n’est jamais aussi vulnérable que lorsqu’il est seul face à la puissance des éléments naturels. C’est d’ailleurs ce que je recherche lors de mes chasses photographiques. J’ai besoin d’être au plus prêt pour contempler cette nature qui nous dépasse et nous rappelle notre statut et notre place. »

 Paris, 16h25, 50 x 50 cm, 2015

15h29, 150 x 120 cm, 2016

Julien Peschard accède à l’intimité des rythmes profonds qui animent la cité, si bien que l’on vient à se demander si cette ville est véritablement un paysage ou bien un personnage, à la fois inquiétant et familier. On y pressent son projet de s’intéresser prochainement à la figure humaine au travers du thème de la foule « dont l’accumulation des sujets me rappelle celle des bâtiments qui forment la ville. » 

Julien Peschard expose en France depuis quelques années et a été récompensé au Printemps des Artistes de Maisons-Laffitte en 2010 et au salon de Mantes-la Jolie en 2016 : « Une de mes peintures a gagné le Grand prix du Salon Arbuste de Mantes-la-Jolie et a été sélectionnée pour participer à la grande aventure du Salon d’Automne à Paris. Ce fut un bel événement que de se retrouver exposé dans cet endroit prestigieux et riche en histoire. Je travaille actuellement sur de futures collaborations avec des galeries. Deux projets d’exposition devraient voir le jour l’an prochain, l’un à Honfleur et l’autre à Paris. » Afin d’en apprendre d’avantage sur ces projets futurs et de découvrir l’intégralité du travail de Julien Peschard j’invite le lecteur à se rendre sur son site dont le lien se trouve ci-dessous :

http://www.julienpeschard.com/

Les illustrations engagées de Robin Guinin

Face aux illustrations de Robin Guinin, il est difficile de ne pas se sentir traversé par une envie de changement sociétal global. Son univers visuel, empreint de fraicheur et de poésie, est économe, épuré et privilégie la ligne et le mouvement. Il donne corps à un idéal d'utopie écologique et d'équité sociale, mis en valeur par contraste avec des symboles de la société de surconsommation, de manière spirituelle, comme une série de messages malicieux. Si les illustrations de Robin Guinin traitent de thèmes graves tels que la pauvreté, la cupidité, la politique, ou les enjeux écologiques, la manière légère dont il les met en scène, son usage de couleurs chantantes et ses petits personnages incisifs, aux traits gracieux et attachants, les adoucit immédiatement. Cette façon de présenter des problèmes sociétaux complexes leur confère une forme de simplicité, les rend abordables et moins menaçants. De nombreux artistes illustrateurs s’intéressent à ces questions, mais contrairement à la myriade d’images chocs qui ont pour but d’inspirer l'effroi, le dégout, ou le rejet afin d’alerter l’opinion publique, il émane un charme particulier des illustrations de Robin Guinin. Ses messages positifs proposent des pistes constructives pour se reprendre, et présentent un modèle à suivre pour que chaque individu puisse prendre conscience de son pouvoir individuel : celui de transformer la manière dont il participe au système dans le but de transformer le système lui-même. Ainsi, au travers de ses dessins, l’artiste invite à une réflexion générale sur les systèmes sociétaux où la consommation de biens surpasse les liens affectifs et spirituels dans la hiérarchie des attentes individuelles et engage chacun à s’en détacher fermement mais dans la douceur. 

Dans le but d’en apprendre davantage sur sa démarche, j'ai pu poser quelques questions à Robin Guinin :

La permaculture, deuxième bannière pour la page de Mr Mondialisation. 2013 - crayons aquarellables, encre, ordinateur

Qu’est-ce qui vous a mené vers l’illustration ?

J’ai eu la chance de baigner dans un terreau familial propice à développer mon intérêt pour le dessin d’illustration. Ma famille m’a très tôt initié à la bande dessinée et à l’album d’illustration. J’ai donc eu accès à de très nombreux livres durant mon enfance et mon adolescence, dont certains m’ont beaucoup marqué et m’ont clairement poussé vers cette voie.

D’autre part, l’illustration est à mes yeux un des moyens les plus efficaces de faire passer un message. Mon désir premier est de sensibiliser aux problèmes liés aussi bien à l’écologie qu’à l’inégalité sociale. Or, les liens entre ces deux paradigmes peuvent être révélés par l’illustration, grâce à son format spontané, direct et sa capacité à faire aussi bien appel au texte qu’à la mise en scène visuelle.

L'effet papillon - réalisé pour un évènement artistique sur la page de Mr Mondialisation. 2014 - crayons aquarellables, aquarelle, encre, ordinateur

Utopie réaliste - thème proposé pour un évènement artistique de Mr Mondialisation. 2013 - crayons aquarellables, encre, ordinateur

Comment choisissez-vous les sujets de vos illustrations ?

Mes sujets varient selon l’inspiration du moment mais je réalise aussi de nombreuses commandes dont je ne choisis pas les thèmes ; néanmoins, je me vois généralement accorder beaucoup de liberté. Le plus souvent, je choisis de traiter les thèmes sur lesquels je travaille de manière symbolique ; cela me permet de faire passer des idées complexes à travers des codes visuels simples, communément partagés et admis dans notre culture. 

Par exemple, je suis particulièrement sensible au sujet de la sauvegarde de la forêt amazonienne et j’ai une certaine fascination pour les populations indigènes qui la peuplent, vivant en harmonie parfaite avec leur environnement et qui se sont pour certaines engagées dans une lutte contre l’exploitation de la forêt par les industries. Ce combat, qui est celui de David contre Goliath, me touche particulièrement. C’est pourquoi j’ai réalisé une illustration, d’après une suggestion du président de l’association Planète Amazone, Gert-Peter Bruch, représentant le chef de la tribu Kayapo, le Cacique Raoni, figure de proue du mouvement contre la déforestation au Brésil depuis les années 70. Celui-ci s’oppose à une vague grise constituée de symboles de la déforestation qui s’apprête à déferler sur la forêt verdoyante, dans un geste biblique évoquant le personnage de Moïse lors de l’épisode de la mer rouge. Lors d’un événement organisé par l’association Planète Amazone j’ai eu la chance de pouvoir l’offrir au Cacique Raoni lui-même, venu à Paris pour défendre sa cause.

Ou encore, lorsque j’ai réalisé des illustrations pour la page de Mr. Mondialisation, j’ai utilisé le masque de la bauta vénitienne qui est son emblème afin d’en tirer un personnage énigmatique récurrent qui invite le spectateur à constater différents déséquilibres sociétaux au travers de mises en scènes symboliques. Un beau partenariat s'est mis en place entre nous depuis 2012.

Raoni protecteur de l'Amazonie - création réalisée pour l'association Planète Amazone, 2014 - crayons aquarellables, encre, ordinateur

Dieullar et société pyramidale - première bannière réalisée pour la page de Mr Mondialisation. 2012 - crayons aquarellables, ordinateur

L'avenir serein - troisième bannière réalisée pour Mr Mondialisation. 2014 - crayons aquarellables, encre, ordinateur

Quelles sont les principales techniques que vous employez ?

Je réalise presque toujours mes travaux en faisant appel à plusieurs techniques, souvent il s’agit de crayons de couleurs, de crayons aquarellables et d’aquarelle. Je peaufine les couleurs par ordinateur mais m’efforce de travailler le plus possible sur papier avant de faire appel au numérique afin de conserver des effets de texture, notamment de crayon. 

Auparavant, je traçais tous les contours de manière classique au feutre ou à l’encre de chine, maintenant je n’utilise plus ces techniques que pour souligner certains traits afin d’ajouter de la vie et d’alléger les compositions. De manière générale j’essaye de ne pas surcharger mes illustrations afin qu’elles restent lisibles. De plus, je suis particulièrement attiré par les compositions permettant de voir les personnages en pied et non pas cadrés en gros plan sur le visage ou sur des détails anatomiques. Je m’intéresse particulièrement aux expressions corporelles et, le plus souvent, j’essaye de représenter des personnages de petite taille et en entier, un peu à la manière de Sempé. Ce qui va à contre-sens des tendances actuelles de la bande dessinée, où les cadrages s’inspirent souvent du cinéma.

L'illustration du million - réalisée pour fêter le franchissement de la barre du millionième abonné à la page de Mr Mondialisation.                                       2016 - crayons aquarellables, encre, ordinateur.

Retrouvailles - illustration pour la nouvelle autobiographique du même nom de Paul Mésange. 2016 - crayons aquarellables

ÊtrENature - dessin réalisé pour l'évènement artistique Couplactage sur la page de Mr Mondialisation. 2014 - aquarelle, crayons aquarellables

Quelles sont vos principales sources d’inspiration ?

Enfant, j’ai été baigné dans les grands classiques de la bande-dessinée franco-belge et par les livres illustrés. Je n’ai plus tous les auteurs en tête mais je pourrais citer Franquin, Hergé, Morris, Uderzo ou encore Peyo. Durant mon adolescence, je me suis davantage tourné vers la bande-dessinée réaliste. J’aimais particulièrement Grzegorz Rosinski, pour son coup de crayon dynamique, ou encore Jean-Pierre Gibrat, pour ses couleurs directes à l’aquarelle et la fluidité de ses compositions. J’étais également fasciné par les dessins d’Isabelle Dethan, de Pascal Munuera ou encore d’Alberto Varanda. Je me suis ensuite intéressé à des dessinateurs tels que Sempé, Quino ou encore André Geerts pour leur économie de moyen, la douceur et la fraicheur de leurs traits et, bien sûr, leur sensibilité et leur humour. J’ai également découvert plusieurs artistes sur les réseaux sociaux comme le dessinateur polonais Pawel Kuczynski, dont l’emploi du symbole et de l’image subversive m’ont marqué. J’ai aussi été inspiré par les dessins d’utopies citadines du dessinateur belge Luc Schuiten ou encore par les illustrations de l’artiste roumaine Ileana Surducan et de l’illustratrice italienne Natalia Pierandrei, dont la créativité me subjugue. 

Il m’arrive aussi de m’inspirer des personnes qui m’entourent pour réaliser mes personnages. J’ai toujours un carnet à croquis sur moi et j’esquisse souvent des portraits, des animaux, des paysages ; le tout orné de notes mystérieuses dans une écriture de ma création, qui dissimule subtilement un français phonétique. Ces carnets, que je compose à la manière d’albums illustrés, me permettent d’étudier les formes de la nature en croquant sur le vif et en soulignant seulement certains traits caractéristiques afin de leur donner de la vie.

Je m’inspire également de certains de mes proches, par exemple, j’ai réalisé une bande dessinée traitant de la maladie d’Alzheimer, « En direct d’Alzheimer » en collaboration avec Georges Grard, éditeur et scénariste du projet. L'un des personnages, dont l’âge n’a rien enlevé à son caractère fantasque et original, était librement inspiré de mon grand-père. Il s’agit d’ailleurs du personnage que je dessine le plus en dédicace.

Croquis, 2016- crayons, encre

Croquis, 2013- encre, crayons aquarellables

Croquis, 2013- encre, crayons aquarellables

Vous semblez utiliser d’avantage d’humour et de poésie que d’images alarmantes. Pensez-vous qu’il s’agisse des meilleurs moyens pour alerter la conscience collective ?

A mes yeux la critique passe par plusieurs niveaux : elle commence par une prise de conscience de la structure inéquitable du système et de son rejet. Ce dégoût laisse ensuite place à un sentiment plus constructif de rôle à jouer pour faire évoluer le système ; car chaque individu fait partie intégrante du système sociétal et choisi la manière dont il y participe. Pour ma part j’ai choisi l’illustration et je me suis tourné vers un univers positif et onirique, qui invite au changement. En effet, il me semble important d’engager les individus pour un changement sociétal au niveau structurel en mettant l’accent sur l’empathie, la poésie et en les faisant aspirer à un monde meilleur plutôt que de vouloir les forcer à changer en leur donnant mauvaise conscience et en faisant appel à des images choquantes ou violentes. Insulter ou culpabiliser un individu est contre-productif à mon sens, cela le braque et l'amène à camper sur ses positions, soit à obtenir l'effet inverse de celui escompté ! Cependant, l’illustration a elle-même des limites, elle implique une simplification du message et gomme ses nuances. De plus, elle comporte plusieurs niveaux d’interprétation et la personne qui voit l’image sans connaître l’intention qui l’anime est libre de l’interpréter comme bon lui semble. 

Mouvement Anonimaux - dessin pour l'évènement artistique de Mr Mondialisation intitulé Derrière le masque. 2012 - crayons aquarellables, ordinateur

L'Eldorado. Libre inspiration. 2008 - encre, ordinateur

 

Les illustrations de Robin Guinin font penser à cette célèbre citation de Pablo Picasso : « Que croyez-vous que soit un artiste ? Un imbécile qui n’a que des yeux s’il est peintre, des oreilles s’il est musicien, ou une lyre à tous les étages du cœur s’il est poète, ou même s’il est boxeur, seulement des muscles ? Bien au contraire, il est en même temps un être politique, constamment conscient d’événements déchirants, impétueux, heureux, auxquels il réagit de tout son être. Comment pourrait-on ne pas éprouver d’intérêt pour les autres et, par la vertu d’une indifférence supérieure, se détacher de la vie qu’ils vous apportent si abondamment ?».  A la fois artiste et citoyen du monde, impliqué dans de nombreuses causes sociales et écologiques, Robin Guinin aide à envisager les déséquilibres sociaux comme des problèmes surmontables, auxquels il est possible de s’attaquer de manière positive à l’échelle individuelle. En valorisant l’harmonie des rapports entre les humains mais aussi ceux entre les humains et leur environnement naturel, l’artiste offre un modèle de système idéal qui stimule l’envie de changement. Les illustrations de Robin Guinin méritent ainsi toute l’attention du lecteur, que j’invite à se rendre sur son blog et sa page Facebook officielle dont les liens se trouvent ci-dessous afin de découvrir l’intégralité de son travail.

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